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Maher Beauroy révèlera son nouvel album "Insula" à l'occasion de sa sortie le 29 avril 2022 en digital et le 13 mai 2022 en physique chez Tropiques Atrium / Baco Distrib. Ce nouvel opus sera présenté le jeudi 16 juin 2022 sur la scène du Café de la Danse (Paris) lors d'un concert de lancement exceptionnel. Le projet Insula est composé de : Piano, chant, compositions, arrangements, orchestration : Maher Beauroy Mandole, chant, co-compositeur : Redha Benabdallah Oud, chant : Qaïs Saadi Contrebasse, chant : Sélène Saint-Aimé Percussions : Boris Reine Adelaïde & Djiéka Légré Flûte : Christophe Zoogones Violons : Tony Bird (Antoine Beux) & Thomas Raso Violoncelle : Anissa Altmayer Voix : Florence "Flo" Baudin Les textes sont de Frantz Fanon.   INSULA : Pianiste, chanteur et compositeur martiniquais, Maher Beauroy n’a pas une minute à perdre : après un premier album « Washa! » sorti en 2019 et salué par la critique, il présente aujourd'hui son nouvel opus Insula ! Avec Insula, Maher Beauroy invite à un voyage musical entre le Maghreb et les Antilles et met au coeur de son inspiration Frantz Fanon, qui a marqué plusieurs générations de la pensée anticolonialiste. Il réunit sur scène un orchestre de jeunes et talentueux musiciens qui nous entraînent, avec bonheur, dans « un vortex mélodique, harmonique et rythmique, accoucheur de communion caribéenne, africaine et orientale ».   MAHER BEAUROY : Pianiste, auteur, compositeur, interprète martiniquais, Maher Beauroy se dirige vers le jazz et les musiques actuelles après une solide formation classique. Formé au SERMAC, centre de formation créé par Aimé Césaire, en Martinique et à l’Université Paris Sorbonne, il obtient son Diplôme de fin d’Études Musicales au Conservatoire Maurice Ravel. Il intègre en 2014 le prestigieux Berklee College Of Music (Boston, USA) dont il sort diplômé en 2017. Après l’EP Nèg’Zagonal, il sort en 2019 son premier album Washa ! qui connait un vif succès critique.  Compositeur associé à Tropiques Atrium Scène nationale, Maher Beauroy y développe divers projets. Ce dispositif est soutenu par le ministère de la Culture et la SACEM.

Les Fils Canouche révèleront leur nouvel album "Nagori" à l'occasion de sa sortie le 29 avril 2022 en digital et le 20 mai 2022 en CD (sortie vinyle prévue courant de l’été 2022) chez Vlad Productions / InOuïe Distribution. Ce nouvel opus sera présenté le jeudi 16 juin 2022 sur la scène du Studio de L'Ermitage (Paris) lors d'un concert de lancement exceptionnel. Le sextet est composé de : - Samuel Thézé : clarinettes - Xavier Margogne : guitare - Stéphane Cozic : contrebasse - Maryll Abbas / Rodrigue Fernandes : accordéon Avec en guests : - Minino Garay / Javier Estrella : percussions - Mohamed Abozekry / Hussam Aliwat : oud   Une approche originale, grandiose et obsédante des musiques du monde, des créations déroutantes et familières à la fois : les codes sont bel et bien cassés chez Les Fils Canouche. Ces musiciens d’exception apportent dans un mix atypique, leurs divers univers musicaux, leurs talents avant-gardistes, et leurs approches hors-normes de la composition. Explorant sans relâche les énergies acoustiques aux quatre points cardinaux, le groupe aborde sans frontières la world music, le jazz manouche ou encore les musiques latines. Avec en invités d’exception, Minino Garay & Javier Estrella aux percussions, Mohamed Abozekry & Hussam Aliwat au oud, Les Fils Canouche ouvrent désormais les portes des musiques du monde et métissent avec un naturel envoutant les sonorités orientales, latines ou encore tziganes. "Rien n’est en trop, tout est juste et touche au cœur, à l’image des textures superposées qui accrochent la lumière, sur le tableau de Hyang-Hi Kim en couverture de [leur nouvel album Nagori]." (Alice Leclercq, Citizen Jazz) Ayant pour objectif le métissage des styles et la volonté de casser les codes des musiques du monde, Les Fils Canouche signent ici leur 6e album. Entièrement enregistré à Paris dans un contexte de crise sanitaire, la fusion des influences et la magie opèrent instantanément. Avec la créativité musicale et le talent de leurs éminents musiciens, Les Fils Canouche nous plongent dans un univers sans limites et sans frontières, qui intrigue et nous envoûte avec passion...

Le groupe Soadan révèlera son nouvel album "Pieds nus" à l'occasion de sa sortie le 29 avril 2022 en digital et le 20 mai 2022 en CD (sortie vinyle prévue en juillet 2022) chez Tinker Label / Foudrage / Socadisc. Ce nouvel opus sera présenté le mercredi 8 juin 2022 sur la scène du Studio de L'Ermitage (Paris) lors d'un concert de lancement exceptionnel. Le trio sera également en concert aux dates suivantes : 25 mars 2022 : Centre Culturel - Muzillac (56) 30 avril 2022 : L'Echonova - Vannes (56) // 1re partie de Mélissa Laveaux 6 août 2022 : Festival des Garennes, La Roche Bernard (56) Le groupe Soadan est composé de : - Grégory Audrain : guitare, basse, chant, textes, compositions - Jean-Marie Lemasson : chant, batterie, percussions, textes, compositions - Armel Goupil : marimba, claviers, compositions   Dans ce nouvel album "Pieds Nus", Soadan nous invite à écouter une musique imprégnée de leurs souvenirs de voyages et de leurs rencontres en Afrique de l’Ouest ces quatre dernières années. Groupe de 3 multi-instrumentistes et chanteurs, Soadan nous offre une musique naviguant entre traditions de la culture Afro et fusion des musiques actuelles.  Vous retrouverez ici, comme dans les disques précédents, leur amour pour le Blues Créole, le Maloya Fusion, l’Afro-Mandingue, l’Afrobeat, la musique Gnawa, au service de textes engagés.  Ces chansons à texte écrites en français nous parlent d’images et de métaphores comme la mer et les îles, l’arbre, la beauté de la nature et de thèmes comme la transmission des savoirs, le partage des valeurs et l'immigration. Le groupe Soadan puise son inspiration dans la musique de groupes africains des années 70 (funk, rumba congolaise, high life, Mandingue..). Le Maloya d’Alain Peters et Danyèl Waro sont une source d’inspiration incroyable pour la formation. Voilà ce qui fait la singularité de Soadan.

David Aubaile et Julien Tekeyan révèleront leur nouvel album "HiMA" à l'occasion de sa sortie le 15 avril 2022 en digital et le 20 mai 2022 en physique chez Profile-on-air / UVM Distribution / Idol. Ce nouvel opus sera présenté le mercredi 13 avril 2022 sur la scène du Hasard Ludique (Paris) lors d'un concert de lancement à ne pas manquer. HiMA, c’est de la musique avec looping « organique » entièrement live entre deux instruments, entre deux complices, en l’occurence David Aubaile, magnifique virtuose du piano et de la flûte (ici au piano / claviers / FX) et Julien Tekeyan (à la batterie / percussions / looping). HiMA est leur évasion, une façon de dire et de jouer l’immédiateté ensemble, de s’attacher à la seule contrainte d’être curieux et d’improviser en familiers sur des chemins inconnus. Ils partent d’un mot pour faire une phrase, d’un son pour composer une pièce, d’un rythme pour en bâtir d’autres ; ils déforment, bouclent et rebouclent, comme une vivante exploration du son. Si bien qu’HiMA s’enracine ici pour déborder là, et que l’improvisation jazz croise une énergie tantôt électro, tantôt contemporaine ou même pop.  En appelant leur duo HiMA, de l’Arménien « maintenant », David Aubaile et Julien Tekeyan s’imposent la vitalité d’un sur-le-champ permanent et nous livrent une expression musicale organique, faite de risque et d’engagement. HiMA rappelle le concept d’immédiateté dans la musique instrumentale improvisée. L’idée de ce duo est une expression musicale avec un propos très ouvert. Là ou l’improvisation et la virtuosité sont souvent synonymes de jazz, David et Julien souhaitent une universalité du partage de leur musique. L’un de leurs titres, par exemple, s’appelle « the Avengers » en référence à « Chapeau Melon et bottes de cuir ». A la différence des projets qui présentent sur scène des éléments pré-produits, HiMA est une expérience de création en temps réel qui devient spectacle en soi. Une expérience confraternelle et joyeuse pour un public lassé des performances inertes, et prêt à recevoir les mises à nu émotionnelles des deux musiciens. Déclaration d’amour à la liberté, à l’espace, à la plasticité et au plaisir, véritable épicurisme musical, HiMA peut aussi mêler ses claviers, percussions, et loops à d’autres disciplines, et façonner un geste scénique commun avec la danse, le morphing d’images, la peinture, la sculpture ou la poésie. Les artistes invités sur l’album (Sandra Nkake, Yan Péchin, Kaabi Kouyate) se sont prêtés au jeu de l’improvisation constructive créative de titres cohérents et conceptuels.

Le Dettmar Quartet révèlera son nouvel album "Escales" à l'occasion de sa sortie le 1er avril 2022 en digital et le 6 mai 2022 en physique chez Musique et Équilibre / InOuïe Distribution. Ce nouvel opus sera présenté le mardi 3 mai 2022 sur la scène du Studio de L'Ermitage (Paris) lors d'un concert de lancement exceptionnel. Le quartet sera également en concert le 6 mai 2022 au Théatre Gérard Philipe (Orléans) et le 28 mai 2022 au Festival Printemps de L’Aspre (Perpignan). Le Dettmar Quartet est composé de : - Guillaume Dettmar : direction artistique, composition, violon, chant, co-arrangements - Alexandre JOURAVSKY : piano, co-arrangements - François LAIZEAU : batterie - Bernard COCHIN : contrebasse « Escales est un projet de création, un voyage à travers les différentes influences qui m’ont façonné depuis le début de mon engagement musical. Viscéralement, je creuse le sillon de ma culture méditerranéenne associée à mon parcours de musicien classique et contemporain avec une ouverture sur le jazz et les musiques improvisées. » Guillaume Dettmar   Après la création de groupes aux influences klezmers et méditerranéennes (Manguina, Paris Klezmer Band, United Colors of Méditerranée), Guillaume Dettmar intègre le jazz à ses compositions dans ce nouveau quartet. Le projet « Escales » s’est développé autour du jeu personnel du compositeur et violoniste, entre improvisations rythmiques et mélopées. Entouré de trois artistes issus de la culture jazz et des musiques improvisées : Alexandre Jouravsky au piano, François Laizeau à la batterie et le contrebassiste Bernard Cochin. Guillaume propose ici des compositions originales à mi-chemin entre musique méditerranéenne (Espagne, Maghreb, Grèce, Moyen-Orient) et jazz. Il a intégré à son répertoire deux chansons – un chant médiéval ( tradition du mouacha) datés entre le 8e et le 13e siècle, en arabe : Lamma bada yatathana et pour continuer dans cette tradition du mouacha, il a ajouté un chant de sa propre composition, en hébreu : Hasahmaïm bakhou bishvili sur les mêmes thématiques, qui continue cette tradition de poèmes. Les éléments techniques du projet « Escales » s’appuient sur les séries, les tourneries, les suites et l’ornementation. Inspiré également des maqams orientaux (mode avec quarts de tons), cette musique est axée autour de la polyrythmie, des mesures composées, irrégulières. Au-delà du groove, influencé par la musique d’Afrique du nord (chaâbi algérien) et du moyen orient, les modes de jeux utilisent également les oppositions, les affrontements, les superpositions et les contrastes. L’improvisation se développe au centre des pièces musicales. Les thèmes bien charpentés autour d’une écriture ciselée et chambriste soutenus par un groove singulier se laissent dériver plus ou moins lentement dans l’improvisation avec des grilles évolutives ou simplement par l’interaction entre les musiciens, pour revenir après le voyage sur un thème ou un prolongement du thème. « Escales » associe musique qui parle au corps (danse, chant, fête) et musique qui incite au voyage (mélancolie, nostalgie, apaisement). Dans cette nouvelle aventure, la musique de Guillaume Dettmar est influencée, entre autre, par l’esthétique d’Avishai Cohen, Ibrahim Maalouf, Dhafer Youssef, Anouar Brahem ou encore Omer Klein et Chai Maestro... Une musique instrumentale dynamique aux harmonies enrichies du jazz qui dérive par les musiques improvisées et une musique vocale, onirique, qui incite aux voyages et utilise différentes langues méditerranéennes (l’Arabe et l’Hébreu).

Marcela révèlera son nouvel album "O'Roma" à l'occasion de sa sortie le 1er avril 2022 chez Jamalafak Collectif / Music Box Publishing / Socadisc. Ce nouvel opus de Chanson tsigane sera présenté le jeudi 7 avril 2022 sur la scène du Studio de L'Ermitage (Paris) lors d'un concert de lancement exceptionnel. Plus intime, cet album plonge dans l’identité musicale profonde du groupe et met en valeur l’univers personnel de Marcela : de ses richesses sonores et son histoire, entre joie et peine, colère et traditions. Mêlant des compositions originales du groupe, des chants traditionnels et des textes écrits en langue Rom et en français, cet album est une invitation à poursuivre le voyage ensemble. Le voyage de la découverte de soi, des autres et du monde à travers le prisme du vécu le tout transcendé par une orchestration audacieuse et festive. Le groupe est composé de : - Marcela Cisarova : chant - Benoit Vincent : guitare acoustique, chœurs - Charles Lamouroux : guitare électrique, banjo - Loran Bozic : violon - Yoann Godefroy : contrebasse Les invités de cet album sont : Nedjim Bouizzoul, Emilio Castiello, Thibault Duquesnay, Mihai Pirvan, Ersoy Kazimov, Marwan Slimani et Billal Chenni.   Marcela est à la fois Femme, artiste, mère et cheffe de meute. Slovaque d’origine, en colère contre son pays et en lutte contre ses traditions, lassée elle le quitte. Tsigane noire, enfermée, elle décide de croire que la liberté est ailleurs. Elle continue désormais de composer depuis ce nouveau « chez elle » qu’est devenu la France. Mais là où elle se sent réellement elle-même, c’est sur scène lorsqu’elle chante. Marcela y exprime sa propre Histoire : de la colère par moments ou bien les déboires d’une orphelitne de coeur qui pardonne aussi à sa mère lorsqu’elle chante cette berceuse - Ando Suno - à ses enfants. Accompagnée de sa « meute » composée de son fidèle guitariste Benny, de Charles le compositeur âme soeur, de Loran le violoniste chevronné et de Yoann le contrebassiste intrépide, Marcela plus que jamais heureuse, crie son amour sur scène. À bas les traditions et ses contradictions : libre de ses choix, elle porte en elle l'insolence de ceux qui ont connu la douleur. Marcela se bat publiquement pour transmettre sa volonté, sa force, ses valeurs de liberté faisant vibrer la note et pleurant sans honte. Plus intime, cet album plonge dans l’identité musicale profonde du groupe et met en valeur l’univers personnel de Marcela : de ses richesses sonores et son histoire, entre joie et peine, colère et traditions. Mêlant des compositions originales du groupe, des chants traditionnels et des textes écrits en langue Rom et en français, cet album est une invitation à poursuivre le voyage ensemble. Le voyage de la découverte de soi, des autres et du monde à travers le prisme du vécu le tout transcendé par une orchestration audacieuse et festive. Cet album est également l’occasion pour Marcela d’inviter de nombreux musiciens comme Nedjim Bouizzoul, leader du groupe Labess, avec lequel elle co-écrit le titre « Yallah Mon Frère » en mêlant ainsi les cultures Kabyle et Tsigane. On retrouve par ailleurs Emilio Castiello d’Aalma Dili à la mandoline, Thibault Duquesnay et Mihai Pirvan au saxophonemais aussi des percussions d’Ersoy Kazimov, Marwan Slimani ou encore Billal Chenni.

Label Bleu et Table Pounding Records ont le plaisir d'annoncer la sortie du premier album, depuis huit ans et sous son nom, du clarinettiste, compositeur et chef d'orchestre David Krakauer : Mazel Tov Cocktail Party. Toujours en quête de nouvelles frontières esthétiques et de nouveaux sons, Krakauer s'est associé à la productrice Kathleen Tagg pour créer une expression cathartique de joie et d'affirmation. En réponse à la montée du sectarisme et de l'intolérance dans le monde, Krakauer et Tagg ont réuni une équipe d'artistes issus d'une grande variété de genres et de milieux culturels pour transmettre un contre-message de positivité qui célèbre notre humanité commune. L'album sortira le 25 février 2022 en digital ainsi qu'en physique (CD et vinyle) chez L'Autre Distribution. Il sera présenté sur la scène du Café de la Danse le mardi 29 mars 2022 (première partie : Kafé Gàta trio).   Aux côtés de Krakauer et Tagg, l'album présente une toute nouvelle formation composée d'un groupe de musiciens de renommée mondiale : Le virtuose de la clarinette Krakauers’impose en parrain des claviers et de la production excentrique de Tagg, du batteur iranien et multi-talent Martin Shamanpoor, de la basse virtuose du gourou du jazz Jerome Harris, de la voix et des mots de la chanteuse et rappeuse soul Sarah MK et des lignes du oudiste /guitariste Yoshie Fruchter.  Ce groupe apporte son énorme diversité musicale et culturelle au projet, et collabore pour créer à la fois des œuvres originales et des réinventions uniques d'œuvres du monde entier. L'album reprend des formes de danses traditionnelles et anciennes et les refond complètement pour apporter un message manifeste de tolérance et d'inclusion. La polka, la danse carrée et la hora n'ont jamais sonné de cette façon auparavant, avec des rythmes électro, des tambours à main acoustiques du Moyen-Orient, des grooves profonds et des paroles qui appellent à l’espace pour tous. La clarinette hurlante de Krakauer nous enjoint à nous unir, à célébrer et à ressentir la puissance de notre vie. Une danse carrée ? La polka ? Hornpipe, Hora et Calypso ? Des rythmes urbains mêlés à des instruments acoustiques et à un rap qui donne à réfléchir ? Quelle est cette musique ? Au cours des mois qui nous ont fortement divisés en 2020, Krakauer et Tagg ont commencé à réfléchir profondément à ce que nous partageons tous en tant qu'êtres humains afin de contrer le barrage incessant d'histoires relatives à nos différences. Ils ont été profondément troublés par le fait que la conversation est si divisée, que le fanatisme aveugle est endémique et que les tensions entre différents groupes de personnes n'ont jamais été aussi fortes : Urbains contre ruraux. Rouge contre bleu. Conservateurs contre libéraux, etc. Quel est le lieu commun où nous avons le potentiel de nous rassembler en tant qu'êtres humains, sans avoir besoin de connaître les croyances de la personne à côté de nous, pour passer un bon moment ? C'est la musique et la danse. Krakauer et Tagg se sont donc tournés vers les anciennes formes de danse. Celles qui sont conçues pour que les communautés se rassemblent et bougent. Des danses qui sont immédiatement reconnaissables. Et à partir de là, ils ont plongé dans les réalités de leur Amérique, avec toute son étonnante diversité, et ont ajouté ces sons : par exemple, une danse carrée avec des mots en partie en français québécois, des tambours sur un daf iranien et un rythme de beat maker né au Maroc et basé à New York. Une musique avec la forme et la pulsation d'une danse carrée traditionnelle mais le rythme d'une boîte de nuit de Brooklyn. Un lieu de rencontre musicale où chaque membre s'est présenté tel qu'il était, avec toute son histoire et ses compétences, pour créer un nouveau son où des petits bouts d’individus créent le tout.    C'est une soirée cocktail Mazel Tov et tout le monde est invité ! En ces temps incertains, c'est l'occasion pour les artistes et le public de se réunir, de célébrer tout ce que nous avons en commun et de lancer en l'air un "cocktail Mazel Tov" métaphorique pour illuminer le monde !   Mazel Tov Cocktail Party est composé de : David Krakauer, clarinette et voix Kathleen Tagg, Claviers, Violoncelle, Accordéon, Electronique/Samples Sarah MK, MC,Voix et Rap Martin Shamoonpour, Daf (tambour à cadre iranien), guimbarde et percussions buccales Yoshie Fruchter, Guitare électrique, Oud et Mandoline Jerome Harris, basse et voix On y trouve également des morceaux électroniques de Bergsonist (Maroc/NYC), Socalled (Montréal, Canada), Jeremy Flower (aka Keepalive) (Boston) et Kathleen Tagg (Afrique du Sud/NYC).

Samuel Maingaud révèlera son nouvel album "Odayin" à l'occasion de sa sortie le 25 mars 2022 chez L'Aéronote / InOuïe Distribution. Ce nouvel opus sera présenté le jeudi 14 avril 2022 sur la scène du Studio de L'Ermitage (Paris) lors d'un concert de lancement exceptionnel. "Odayin" réunit une formation détonante et atypique, composée de Nenad Gajin à la guitare, Fred Dupont à l’orgue Hammond B3 et aux claviers, Yoann Schmidt à la batterie, Adriano DD Tenorio aux percussions, Nicho Vella aux claviers et Samuel Maingaud aux duduks et saxophones.   Mariage audacieux entre jazz et world music où s’accordent habilement les saxophones et duduks de Samuel Maingaud, Odayin vous ouvre les portes d’un projet musical hybride, révélant une métrique et un habillage sonore, à la fois, métissés et contrastés. Dans cet opus sonnent des compositions puissantes et originales, fruit de différentes collaborations de Samuel Maingaud (Frank Herrgott, Alexis Maingaud, Christophe Violland), dont la matière sonore résonne dans des mélodies fortes, empreintes de beauté, de liberté. Désireux de s’imposer avec une vraie originalité et très attaché aux valeurs humaines, ce projet, porté par Samuel Maingaud, ambitionne de fusionner modernité et sonorités universelles, avec élégance et sensibilité.

Le duo Aguamadera révèlera son troisième album "Las historias que han dejado" à l'occasion de sa sortie le 7 janvier 2022 en digital et le 21 janvier 2022 en physique chez Quart de Lune / UVM Distribution. Ce nouvel opus sera présenté sur la scène du 360 Paris Music Factory (Paris), dans le cadre de la 15e édition du festival Au Fil des Voix, le mercredi 16 février 2022, lors d'un concert de lancement exceptionnel. Aguamadera sera accompagné sur scène de Julien Rieu de Pey à la basse électrique et Vanesa García aux percussions. Pour Aguamadera, le folklore sud-americain n’est pas destiné à survivre dans les musées. Ces musiques et les messages qu’elles transportent sont bien vivants et en constante évolution. Les chansons d’Aguamadera sont littéralement populaires, en témoigne le nombre de personnes (124.000) qui les suivent sur les réseaux sociaux. Ce duo se forme en 2015, lorsque les argentins Marco Grancelli et María Cabral se rencontrent dans la chorale Cuerdos Vocales, à Buenos Aires. Ils se rendent vite compte qu'ils partagent la même passion pour le folklore sud-américain et décident de se présenter sur les scènes de Buenos Aires. Ils enregistrent leur premier album, Colocho en 2017 et se lancent dans une tournée européenne d’une cinquantaine de concerts dans des pays comme l'Espagne, la France, l'Allemagne, la Belgique et la Suisse. Après cette expérience extrêmement positive, ils décident de s'installer en France ayant apprécié la valeur du circuit culturel européen et la chaleur de l’accueil qu’ils ont reçu dans le sud-ouest de la France où ils ont élu domicile. En 2018, ils enregistrent leur deuxième album, La Campana, clairement axé sur un duo vocal autour d’instruments comme la guitare, le cuatro et les maracas vénézuéliens avec lesquels ils se produisaient sur scène. La même année, ils se produisent dans des festivals de renom tels que Río Loco (Toulouse), Les Méridiennes, (Tours), Les Suds (Arles), Borgo Sonoro (Italie), ou le Szolnay (Hongrie) et dans des émisions de radio comme Ocora Couleurs du Monde (France Musique). Aguamadera collabore avec d’autres artistes, notamment Las Hermanas Caronni avec lesquelles le duo enregistre une composition commune et partage la scène à plusieurs occasions. Avec "Las historias que han dejado" (les histoires qu’ils ont laissées), Aguamadera propose cette fois des compositions inspirées de genres tels que la chacarera, la zamba ou les huaynos argentins, le joropo, le merengue et la gaita zuliana vénézuelienne et la valse péruvienne, en y incorporant basse et percussions. L'album est enregistré à Buenos Aires sous la direction artistique d'Elizabeth Morris (deux fois lauréate du Festival international de Viña del Mar) et la participation de grands artistes sud-américains tels que le chanteur Raly Barrionuevo ou la chanteuse Marta Gómez.

Joce Mienniel et Aram Lee révèleront leur album "Wood & Steel" à l'occasion de sa sortie le 12 novembre 2021 chez Buda Musique / Socadisc. Ce nouvel opus sera présenté sur la scène du Comptoir à Fontenay-Sous-Bois (94) le vendredi 28 janvier 2022, lors d'un concert de lancement exceptionnel. "Wood & Steel " est donc le premier projet de Aram Lee et Joce Mienniel dans lequel ils ont convié le chanteur chamane et percussionniste Minwang Hwang à les rejoindre pour les accompagner et transcender leur musique. A eux trois et à travers la vitalité de leurs compositions et improvisations, ils échangent puissance de jeu, souffle, chant, expériences et énergies qui sont à la fois primitives et poétiques. WOOD L’une coréenne en bambou : le Daegum. Sans clé mais augmenté au fil des siècles d’un mirliton en papier de riz pour parfois faire saturer le son, cette flûte traditionnelle est l’instrument emblématique du Pansori, l’une des musiques les plus anciennes de Corée. STEEL L’autre européenne en métal, plus complexe dans sa facture de système Boehm et transformée depuis de nombreuses années pour être un instrument tempéré, chromatique et composé d’une multitude de clés. Il s’agit d’une rencontre franco-coréenne merveilleuse entre deux flûtistes aux personnalités singulières et ouverts sur le monde. Chacun a suivi un chemin musical spécifique qui les a finalement réunis sur un même programme dans lequel leurs particularités se marient parfaitement.

Le groupe de cinq musiciens de jazz hybride Black Flower s'apprête à sortir son nouvel album le 28 janvier 2022 chez Sdban Ultra / L’Autre Distribution. « O Fogo » en est le premier aperçu. Piloté par le saxophoniste/ flutiste/ compositeur bruxellois Nathan Daems (Echoes of Zoo, Dijf Sanders), le quintet est un mélange vibrant et hypnotique d'éthio jazz, d'afrobeat, de psychédélisme et d'influences orientales, inspiré par Mulatu Astatke, Fela Kuti et diverses traditions musicales occidentales. Black Flower est un groupe au sommet de son pouvoir créatif. Après avoir reçu des éloges pour l'album "Future Flora" sorti en 2019, de Mojo, Songlines, Gilles Peterson de BBC Radio 6 Music, BBC Radio 3's Music Planet, Worldwide FM et Jazz FM, entre autres, l'album à venir "Magma" voit Black Flower adopter de nouveaux sons de synthé et d'orgue grâce à la dernière recrue du groupe, Karel Cuelenaere. Son influence est perceptible dès le début de l'album : il ajoute une touche tourbillonnante et malicieuse au titre "Magma", qui ouvre l'album. En outre, les rythmes de batterie traînants et le morceau "O Fogo", propulsé par une flûte, sont riches en texture et en fluidité. Les rythmes entraînants et les mélodies d'influence orientale servent de source de plaisir qui, comme le magma, devient réel et solide lorsqu'il remonte à la surface. C'est la métaphore parfaite pour le processus de création de cet album. La pulsation et la transe de " Deep Dive Down " poursuivent ce processus joyeux, tandis que l'auteur-compositeur Meskerem Mees (lauréate du Montreux Jazz Talent Award 2021) ajoute sa voix claire comme de l'eau de source au céleste " Morning in the Jungle ". Avec le très fiable Frederik Segers à la production et le virtuose visuel londonien Raimund Wong (Total Refreshment Centre) à la conception graphique, tout cela contribue à l'identité psychédélique et exploratoire du groupe et constitue un élément clé qui a aidé "Magma" à remonter des profondeurs à la surface. Un processus créatif solidifié en vinyle, tout comme le magma en roche. Les autres musiciens et acolytes spirituels du groupe sont Jon Birdsong (dEUS, Beck, Calexico) au cornet à piston, Simon Segers (Absynthe Minded, De Beren Gieren, MDCIII) à la batterie, Filip Vandebril (Lady Linn, The Valerie Solanas) à la basse et Karel Cuelenaere (John Ghost) au clavier.

Diana H.P. révèlera son troisième album "Fazer e cantar" à l'occasion de sa sortie le 3 décembre 2021 chez Z Production / InOuïe Distribution. Ce nouvel opus sera présenté sur la scène du Studio de L'Ermitage le mardi 1er février 2022 à 20h30, lors d'un concert de lancement exceptionnel. "Fazer e Cantar", le troisième album de la chanteuse et compositrice brésilienne Diana H.P. s’inspire de l’énergie progressiste des années 60 à 80 pour proposer un futur musical groovy, sensuel et spirituel. A ses côtés les brillants musiciens et producteurs JazzBastards forment l’équipage idéal pour cette exploration rétro futuriste. Diana H.P. est l’héritière d’une révolution qui se produisit aux débuts des années 70 à Belo Horizonte, capitale du Minas Gerais, état du sud-est du Brésil. Son nom de code était Clube da Esquina, (le Club du Coin), titre d’une chanson et d’un album historique de Milton Nascimento, également du à l’osmose créative qui régnait au sein du groupe d’artistes éclairés qui l’entourait. Les musiciens et poètes, membres du Clube da Esquina conjuguaient leurs virtuosités en s’inspirant du génie aventurier des réformateurs du jazz, des inventions du rock psychédélique ou des Beatles période Double Blanc, comme des traditions musicales régionales et nationales. L’album eut un impact revendiqué par de grands musiciens internationaux tels Wayne Shorter, Herbie Hancock ou encore Earth Wind & Fire et ouvrit au Brésil une fenêtre ensoleillée vers un futur d’audaces et de liberté, alors que le pays était englué dans le carcan de la dictature militaire. Autour de Diana et Mathias Allamane les autres JazzBastards donnent le meilleur d’eux- mêmes : Vincent Taurelle est aux claviers et assume la production avec le batteur Vincent Taeger. Ludovic Bruni passe saluer avec sa guitare sur Balanço qui justement parle d’amitiés. Il y a aussi l’hommage paternel au pionnier russe de la conquête de l’espace Gagarine de Yuri Popoff et Heitor Branquinho, Brincadeira (Un jeu) jeux de mots entre séduction et illusion, en français Le Jour affirme que la vie est belle et qu’il faut s’en saisir. Le poète philosophe Márcio Borges a cette fois apporté quatre textes : Fazer e Cantar (Faire et Chanter) donne son nom à l’album et résume la démarche de vie de Diana : « Faire au mieux en chantant avec amour et plaisir », Sonho (Rêver) milite pour le rêve, Delikatessen incite à faire confiance en la force de l’amour et Mais um sol (Encore un soleil) interroge le ciel et ouvre la conscience sur l’immensité qui nous entoure : (Nous sommes juste un autre soleil dans la poussière des points de lumière). Une touche de magie britannique est ensuite apportée par le mixage précis de Dave McDonald, l’ingénieur du son des albums mythiques de Portishead. Avec "Fazer e Cantar", Diana a trouvé sa place et l’affirme. Devenue Diana H.P., elle est une version amplifiée d’elle même, fidèle aux valeurs de son passé, mais prête à relever les défis du présent pour construire un avenir plus sain et joyeux. Comme les artisans du Clube da Esquina en leur temps, Diana H.P. mise sur l’imaginaire pour surpasser les dangers de l’époque. Faire et Chanter, car si l’on cesse de rêver la vie se rétrécit et Diana H.P. inlassablement chante et vous fera chanter.