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Ariana Vafadari présente «Anahita» pour une série de concerts estivale

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in the alternative language. You may click the link to switch the active language.Ariana Vafadari présente « Anahita » sa dernière création musicale, à l'occasion d'une série de concerts estivale : * le 8 juin à L’ilyade Seyssinet, Seyssinet-Pariset (38) * les 17, 18 et 20 juin au Festival des Sacrées Journées de Strasbourg, Strasbourg (67) : 17 juin : Cathédrale de Strasbourg 18 juin : Collégiale Saint-Thiébaut, Thann 20 juin : Eglise Saint Vincent de Paul, Strasbourg Anahita, est une pièce musicale et onirique, composée et interprétée par Ariana Vafadari sur un livret écrit en collaboration avec Leili Anvar. Ariana, mezzo-soprano sera accompagnée sur scène par Julien Carton (piano), Leila Soldevilla (Contrebasse) et Yacir Rami (Oud). L’enregistrement d’Anahita est paru en CD - Sortie digitale le 6/03, sortie physique le 19/06 (label Quart de Lune / Distribution Idol et UVM).   L’HISTOIRE Une jeune femme rêve du temps où son village était vert, elle se réveille face aux arbres qui meurent et sent son ventre vide. Elle a traversé les déserts et les terres en feu, désespérée elle prie la déesse dont elle porte le nom : Anahita. Cette divinité iranienne des eaux, de la fécondité, de la sagesse, est celle qui accroît les cours d’eau, les peuples et les vivants. Elle est aussi la guérisseuse et celle qui initie à la sagesse. Mais son culte fut oublié et son visage effacé. Aussi les eaux se sont-elles retirées chaque jour davantage du lit des rivières et des sources souterraines, transformant le monde fertile et verdoyant en un désert brûlant. Après un échange mystique avec la déesse, la jeune Anahita part en quête de l’eau d’immortalité, et trouve l’Amour. Imprégnée dans son enfance par la poésie et la philosophie zoroastrienne transmise par son père, Ariana Vafadari, avait à cœur de faire ressurgir les écrits millénaires de Zarathoustra, réunis dans «L’ Avesta», textes empreints de sagesse et de spiritualité, prônant la lumière et la bonté inhérente à l’homme. A travers ces prières adressées à Anahita, la volonté d’Ariana et Leili est de retrouver la place du féminin dans le monde. Entourée de musiciens aux origines culturelles et musicales diverses, certains formés à la musique traditionnelle iranienne, marocaine, d’autres au jazz, à la musique classique occidentale, Ariana Vafadari passe librement d’un univers à l’autre. Les textes sont en persans, en français, en langue Avestique, la langue ancienne des zoroastriens.
8 junio 2021

Luis de la Carrasca présente la tournée estivale «Gharnata»

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in the alternative language. You may click the link to switch the active language.Luis de la Carrasca présente le spectacle "Gharnata" (tiré de l'album éponyme, sorti le 11 octobre 2019 chez Andalouse Alhambra / Inouïe Distribution), à l'occasion d'une tournée estivale de 24 dates, dont plus d'une vingtaine à Avignon (du 21 juin au 31 juillet 2021) : * lundi 21 juin 2021 à 20h30 dans Le Jardin Romain, Caumont-sur-Durance (84) gratuit à l'occasion de la fête de la musique * samedi 26 juin 2021 à 17h00 à l'Auditorium de Lure (70) * du 7 au 31 juillet 2021 à 20h30 (relâche les lundis 12,19 et 26 juillet) au Théâtre du Chêne Noir, Avignon (84) en coréalisation avec le Théâtre du Chêne Noir dans le cadre du Festival Off d'Avignon L'équipe de "Gharnata" est composée de : - Luis de la Carrasca (Création artistique, auteur-compositeur, chant, guitare Flamenco) - José Luis Dominguez et Manuel Gomez (Guitare Flamenco) - François Taillefer (Cajón/percussions) - Benjamin Ramos (Contrebasse) - Jérôme Boudin-Clauzel (Piano) - Ana Pérez (Choeurs, palmas et danse Flamenco)   Gharnata Spectacle du nouvel album sorti le 11 octobre 2019 Gharnata veut dire Granada en arabe. Pourquoi ce titre ? Car étant Grenadin, Luis de la Carrasca est conscient de l’héritage laissé par cette extraordinaire civilisation lors de son apogée. Luis de la Carrasca dont la voix passe aisément d’un registre tout en puissance à un autre tout en retenue est entouré sur cet opus de 5 musiciens : des guitaristes José Luis Dominguez et Manuel Gomez, du contrebassiste Benjamin Ramos, du percussionniste François Taillefer, du pianiste Jérôme Boudin-Clauzel et d’Ana Pérez aux choeurs, palmas et à la danse. Ses paroles font référence aux valeurs indispensables à l’humanité : le respect, la coexistence, la tolérance, la générosité, la volonté, la foi, la bonté et le plus important l’Amour, du prochain, de la vie, de la terre, de la nature... Il a ressenti la nécessité d’aborder nos racines qui nous guident vers le futur sans oublier d’où nous venons et qui nous sommes. Luis de la Carrasca rend aussi hommage aux génies universels que sont Federico García Lorca, Antonio Machado et le grand Bizet. Un patrimoine inoubliable pour l’humanité. Luis de la Carrasca Cantaor – créateur artistique de la Cie Flamenco Vivo Auteur-Compositeur – Membre de la SACEM, de la SACD, de la SPEDIDAM et de l'ADAMI. Originaire de Huéscar (province de Grenade – Espagne), il grandit dans cette Andalousie rurale où il se passionna très jeune pour ce « Mundillo Flamenco ». Il est actuellement un artiste Flamenco reconnu et l'une des références dans le monde Flamenco. Autodidacte, il a hérité du don de ses ancêtres pour « el Cante ». Pendant longtemps, il fréquenta le monde Flamenco Grenadin et côtoya le danseur gitan Juan Ramirez. Puis, il se produisit sur sa terre natale, dans les Iles Baléares (1ère partie d’Ana Reverte) et dans la région d’Alicante jusqu’en 1991 date à laquelle il s’installe en France. Cette même année, il participe à son premier Festival d’Avignon au Théâtre du Balcon. A partir de là, tout s’enchaîne, il monte « FLAMENCO VIVO » et à chaque Festival Off d’Avignon (de 1991 à 2019), il crée et présente un nouveau spectacle. Il fêtera en 2021 son 30ème Festival d’Avignon. Sa compagnie a toujours été en constante évolution car il découvre, rencontre et s’entoure de nouveaux artistes et de jeunes espoirs français, fils d’espagnols ou andalous. Au fil du temps, sa compagnie devient la Cie Flamenco Vivo.  Luis de la Carrasca a réalisé les adaptations Flamenco d’oeuvres de théâtre classique et contemporain et en a composé la musique. En 1994, il joue dans le film « Dis moi oui » d’Alexandre Arcady. Il est à l’origine du Festival Andalou créé par l’Association Andalouse Alhambra, à Avignon et le département de Vaucluse. Son album Gharnata est sorti le 11 octobre 2019 (Production A. Andalouse Alhambra avec l’aide de la Région Sud Provence-Alpes-Côte d’Azur, de l’ADAMI et de la SCPP – Inouïe Distribution).
31 mayo 2021

Dérapage Prod et L’Opéra de Lyon présentent la création «Sahariennes»

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in the alternative language. You may click the link to switch the active language.Dérapage Prod et l'Opéra de Lyon présentent la création  "Sahariennes" à l'occasion d'une tournée de 5 dates exceptionnelles dont deux parisiennes, le samedi 5 juin 2021 à 17h et 19h au 360 Paris Music Factory. Ce spectacle, sous la direction artistique de Piers Faccini, révèlera le travail de 4 grandes artistes originaires du désert saharien : Noura Mint Seymali, Souad Asla, Dighya Mohammed et Malika Zarra. Voici les différentes représentations à venir :  3 juin : OPERA DE LYON (18h30) // résidence du 22 au 27 mai 2021 4 juin : Le Grand Sud, LILLE  (en partenariat avec l’IMA de Tourcoing) (19h) 5 juin : Le 360, PARIS (deux représentations 17h et 19h) 6 juin : Grand Théâtre d'Orléans (17h) Cette création s'inscrit dans le cadre de la saison Africa 2020 initiée par l’Institut Français.   Le Sahara, haut lieu de l’imaginaire occidental, est à la fois une invention d’européens en quête d’exotisme, et un terrain physique ou s’affrontent les idées reçues et des cultures millénaires. Les femmes du désert telles que les ont souvent imaginées les européens, sont des créatures de fantasme, des sahariennes, voilées et mystérieuses, des objets exotiques qui n’ont que peu à voir avec la réalité des femmes de la région. Le spectacle “Sahariennes” célèbre les héritages communs des véritables sahariennes - des femmes d’Algérie, du Maroc de Mauritanie et du Sahara occidental. Une création musicale qui fait fi des clichés et tente d’aller au-delà des conflits qui définissent trop souvent les relations de leurs pays respectifs. Parce que ces sahariennes partagent des traditions cousines et une volonté commune d’imposer leur parole d’artiste. Traditions profanes ou sacrées, héritages berbères, touaregs, ou gnawa - les musiques des quatre côtés de cette frontière de sable appartiennent à une grande famille. En mettant cet héritage en commun et en créant des formes nouvelles, ces femmes affichent une solidarité artistique qui fait fi des adversités quotidiennes ou géopolitiques. Noura Mint Seymali, issue d’une famille de griots, est la grande chanteuse mauritanienne de sa génération. La chanteuse Dighya Mohanned Salem porte son histoire de réfugiée sahraouie mais demeure une artiste tournée vers le futur. Souad Asla milite pour diffuser le patrimoine musical des femmes algériennes, entre autres avec les musiciennes de Lemma. Malika Zarra est une artiste marocaine qui partage son temps entre le Maroc, la France et les Etats-Unis et est une habituée des collaborations. En imposant une lecture féminine de l’histoire culturelle de la région, les Sahariennes font beaucoup plus que bouleverser les clichés qui ont leur origine, dans leurs cultures respectives, ainsi que dans l’imaginaire des colonisateurs d’antan. Voila plus de quarante ans que les femmes sahraouies sont un symbole de dignité et d’indépendance. Malgré les combats politiques et guerriers, malgré les partages de frontières arbitraires et belliqueux, les sahraouies sont demeurées un des grand symbole des combat indépendantistes et féministes. Héritières d’une tradition matriarcale qui n’a jamais pu être effacée, elles sont, au quotidien, les garantes d’un ordre social qu’elle contrôle, et les chanteresses d’une culture qu’elles défendent. De chaque coté de ces frontières invisibles à l’œil nu, les sahariennes ont hérité de cette histoire commune. Et comment mieux exprimer cet héritage à travers la musique, à travers la plus profonde expression d’une culture traditionnelle. Les Sahariennes ont pour but de souligner cet héritage et cette culture commune. Le résultat n’est ni politique, ni vraiment revendicatif. En s’imposant comme artistes avec des choix esthétiques, elles se placent en défenseures d’une culture commune, et ne font, finalement, que rappeler un état de fait : que les femmes du Sahara sont les virtuoses du quotidien, et les architectes d’un monde futur.
19 mayo 2021

Radio Tutti & Barilla Sisters présentent «Xogo»

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés y Inglés Estadounidense. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in this site default language. You may click one of the links to switch the site language to another available language.Électron libéré dans la galaxie de la sono mondiale actuelle, Radio Tutti & Barilla Sisters réveille une nouvelle fois la force avec un 2e album détonant. Les musiques du Sud de l’Europe prennent un nouveau shoot d’arrangements classieux et d’électros-chocs pour ce bal transe-genres. Avec XOGO, c’est la Galice qui sert de matrice à un folklore imaginaire et festif qui puise dans les énergies terriennes du fond des âges. Les voix féminines restent les trames de ce patchwork navigant entre musiques populaires méditerranéennes ou orientales et des excroissances créolisées d’Outre-Atlantique, avec de nombreux additifs. Une véritable fête de village-monde ! La genèse de Radio Tutti & Barilla Sisters se niche dans une rencontre miraculeuse entre artistes passionné.e.s de musiques traditionnelles du Sud de l’Europe et ouvert.e.s aux quatre vents des courants musicaux mondialisés. Depuis 2016, cette marmite bouillonne des ingrédients venus des traditions populaires et des épices métisses ayant traversé les océans. La sueur des peuples laborieux et des minorités opprimées se mêlent à celles des danseur.se.s contemporain.e.s pour des bals sans aucune frontière ! Le combo Radio Tutti fourmille d’arrangements aventureux qui oscillent entre différentes couleurs anciennes et modernes de musiques Afro-Atlantiques, de la cumbia au hip-hop. Le duo fusionnel des Barilla Sisters extirpe du fond des âges la fierté et l’énergie vitale des voix, des rythmes et des mélodies des femmes du Sud de l’Europe. Ces deux entités fusionnent tout autant dans leur énergie créatrice que dans leur passion de la transmission et leur recherche d’une transe commune avec leur public. Les concerts de Radio Tutti & Barilla Sisters sont pensés pour offrir la possibilité de s’approprier facilement des danses collectives, entre bal folk et fiesta débridée ! Ce nouvel album s’intitule XOGO (et se prononce Chogo), qui signifie « jeu » en galicien, comme un pied de nez malicieux aux origines de toutes ces musiques venues de peuples de travailleur.se.s. Quand le précédent opus puisait ses ressources dans le Sud de l’Italie, celui-ci va glaner de précieuses énergies dans les confins du Nord de l’Espagne. Un territoire qui dénote dans cette partie du monde, où des groupes de femmes aux grands c(h)oeurs mélangent des traditions musicales celtes, latines et orientales aux rythmes frénétiques de tambourins. Quand les timbres s’unissent et invitent à la danse, la patte de Radio Tutti & Barilla Sisters relève la sauce avec ses arrangements originaux et ses embardées électros parfaitement maîtrisées. XOGO n’est pas une promenade de santé du dimanche ! C’est une expédition fiévreuse du samedi soir, une invitation à la danse et à la vie ! La Rumba Morena d’introduction pose le décor et on ne peut/veut plus reculer. Les voix hautes perchées et les tambourins de Galice entrent en ébullition au contact d’envolées instrumentales rappelant les orchestres de l’Europe orientale et au-delà, mâtinées d’additifs puissants. Le Forro de la Vida Viranta est une ritournelle entêtante entre Brésil et Occitanie, entre la danse suave du couple et la scansion rythmée. Galician Rhapsody est une merveilleuse surprise de fin d’album : un morceau progressif et complexe qui laisse toute la place à l’entrée en transe... Un condensé de tous les ingrédients de cet album lumineux qui mute en une transe électro, en un rap profond et puissant, en une apaisante mélodie d’accordéon... Textes : Amaury Rullière
14 abril 2021

HF présente « Nature humaine » un 5e album en français à son image

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés y Inglés Estadounidense. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in this site default language. You may click one of the links to switch the site language to another available language.HF présente son 5e album "Nature humaine" à l'occasion de sa sortie le 31 juillet 2020 chez Equal Musik / Believe Digital. Nous le savons, 2020 a été une année très déstabilisante et difficile à gérer. L'artiste HF a tenu à faire vivre "Nature humaine" malgré les conditions dramatiques que connaît le monde de la culture. La promotion a été repoussée au fil de l'actualité pandémique. HF est en route pour son 6e album. Il est donc temps de vous présenter "Nature humaine" avant qu'elle nous donne un nouveau souffle avec un prochain opus "D'une mélancolie..." dont la sortie est prévue à l'automne 2021. Avec « Nature humaine », HF nous offre un cinquième album en français à son image : généreux, harmonieux et inclassable. TRILOGIE SOUL Après avoir fait ses premiers pas dans la chanson française et la musique électronique, Hélène Félix, alias HF, s'est imposée comme une figure aussi atypique qu'attachante de la scène soul-funk hexagonale avec son premier album « Keep The Face », paru en 2007. Si sa simplicité, sa discrétion et son allure androgyne tranchent avec le glamour et les paillettes propres aux divas de la soul, ce sont surtout ses talents affirmés d’auteure- compositrice-interprète et multi-instrumentiste qui retiennent l'attention. HF défend une certaine idée de la black music. Organique et intemporelle, à contre- courant des super-productions formatées et des effets de mode superficiels. HF continue brillamment sur sa lancée avec deux autres albums dans la même veine mais avec une assurance à chaque fois renouvelée : « Feeling » en 2008, suivi de « Good Times » en 2011. NATURE HUMAINE « Nature humaine », le cinquième volet de ses aventures discographiques arrive huit ans après la sortie de son dernier album sous le nom de HF. Alors que l'anglais pouvait s'interposer comme un filtre entre ses émotions et sa plume, chanter dans sa langue natale lui permet de s'exprimer avec la plus grande sincérité possible. Musicalement, la chanteuse a souhaité élargir son horizon en s'inspirant de ses influences que sont, entre autre, Gainsbourg, Nougaro, Balavoine, Cabrel, Berger et Jonasz. « Nature humaine » brasse les influences les plus éclectiques et se lit un peu comme un résumé de sa carrière. La sensualité soul de ses précédents disques est encore bien prégnante et ses premières amours pour la chanson refont surface. HF nous livre son album le plus riche mais aussi le plus personnel. Un disque qui lui ressemble. Généreux, harmonieux et inclassable, à son image.
30 marzo 2021

Pao Barreto presenta «Spiralis»

Diseñadora de modas, cantante, autora y compositora, la artista colombiana irradia como una espiral incandescente. La historia comienza el 21 de diciembre del 2012, día simbólico de un nuevo ciclo para la humanidad. Según el calendario Maya, en este día se alineaban la tierra y el sol con el sol del centro de la galaxia. La concepción cíclica del tiempo, que la cosmogonía maya entendía, marcaba entonces el final de un ciclo cósmico y uno nuevo al mismo tiempo. Fué en ese momento que la joven Pao, diseñadora en Bogotá, llega a Francia. Ella decide partir de su tierra natal para consagrarse plenamente a eso que la motiva profundamente y la hace vibrar desde niña: la música. Es en París, que ella escoge poner sus maletas para continuar sus estudios musicales, que había provisionalmente dejado de lado. Durante tres años, ella se forma a las percusiones tradicionales en el CRR Aubervilliers-La Courneuve con su maestro Paul Mindy, y estudia su pregrado de Etnomusicologia en la Universidad de Paris 8. Paralelamente, su carrera de cantante profesional va nutriendose al lado de grupos de músicas latinas de diferentes estilos : músicas cubanas con La Cubanerie, luego Who’s the Cuban; cumbia de orquesta con Cumbia Ya! y los rítmos tradicionales de la costa caribe colombiana con Cumbia y Cardón. Pao colabora, de la misma manera, con el grupo The Bongo Hop con quien ella graba la canción Nos coge la tarde. Verdadero huracán incandescente, Pao irradia sobre el escenario, y propaga a su alrederor una fuerza de vida poderosa. A medida que van pasando los conciertos, el público va siendo conquistado por su enería y su voz plena y calurosa. Después de seis años intensos, llenando los escenarios parisinos, franceses e internacionales, la aventura toma un nuevo giro en marzo del 2020 entre París (El Speaker et Nicolas Vair) y Bogotá (Groove Studios avec Nicolás Cajamarca, Jorge Corredor y Harbey Marín : Latin Grammy 2018). Pao graba su primer Album Spiralis como solista, del cuál ella es autora-compositora y productora. Spiralis, la espiral, simbolo de un renovamiento perpetuo de la energía vital que circula al infinito. Un símbolo que la acompaña desde hace mucho tiempo: mucho antes que llegara a Francia, Pao exploró durante un largo tiempo, su mundo interior gracias al Yajé, bebida sagrada medicinal de los pueblos precolombinos del Putumayo. En ceremonias nocturas dirigidas por los taitas (chamanes), la planta le revelaba invariablemente esta geometría sagrada. DISCOGRAFÍA Con Spiralis, Pao nos comparte dos aspectos de su universo : por una lado, uno vivo, caluroso y repleto de alegria : y por otro lado, uno místico e instrospectivo. Sus composiciones nacen en una multitud de estilos : los rítmos festivos caribeños colombianos (porro, champeta, cumbia) que dialogan con sonidos electrónicos y eléctricos bien reverberados, a los que se mezclan unas pizcas de soul, funk y reggae. Sus textos en español y en francés, celebran sus temas predilectos y amados : la conexión a la naturaleza, el rítmo cíclico de todo y la capacidad de cada persona a trasformarse y crear su realidad. A cada lado del Atlántico, la llegada de Spiralis se prepara: el albúm sale a principios del 2021. Tienen una cita para continuar a escibir la historia junto a Pao Barreto. Pueden escoger entre descubrir el album con los ojos cerrados y una escucha meditativa o de saborear su alegría contagiosa, entrando al baile y al transe... En todos los casos, estaremos envueltos por una espiral trascendental.
18 febrero 2021

Carla Pires presenta «Cartografado»

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés y Inglés Estadounidense. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in this site default language. You may click one of the links to switch the site language to another available language. Carla Pires présentera son quatrième album solo "Cartografado" à l'occasion de sa sortie le  5 mars 2021 chez Ocarina Music / L'Autre Distribution.  "Carla Pires est l'un des plus grands talents du fado de ce siècle. Ses morceaux sont généralement plus acoustiques que ceux de ses concurrents plus modernes. C'est pourquoi Carla Pires met l'accent sur son chant et il devient vite évident qu'elle possède l'une des voix les plus belles et les plus pénétrantes sur le plan émotionnel dans le fado contemporain". Cees Bronsveld, HEAVEN Magazine, Pays-Bas - n°4 juillet-août 2020  CARTOGRAFADO, est le quatrième album solo de Carla Pires, après AQUI (2016), ROTA DAS PAIXÕES (2012) et ILHA DO MEU FADO (2005).   La surprise d'un fado avec l'âme d’une voyageuse. La modernité de la musique portugaise aux racines multiples, cosmopolite et rurale, nationale et itinérante, chemine tout au long de cet album. Moments de poses et de conversations inattendus où l’auditeur est invité à entrer dans un autre temps et à approcher différemment les errances du fado tout au long de ce voyage de part le monde. L’auditeur erre au travers de sonorités frontalières, en passant des bulerías flamencas aux virevoltements du Vira, altérant le sens des fados sans en changer l’essence. On retrouve à la fois dans cet album, le bouleversement d’une perte amoureuse mais aussi les méandres de la vie et l’affrontement du destin, ou encore des rencontres dans des paysages de silence et de solitude, le départ, l'aventure, la chance, la nostalgie et enfin  le retour au pays et les moments de fête. Au travers de ce voyage musical, la richesse émotionnelle de la voix de Carla Pires nous emmène du rire aux larmes, traçant les lignes de CARTOGRAFADO. Parmi les 14 morceaux de l’album, 11 titres sont des originaux. A noter le titre interprété en français par Carla Pires "Ta bouche aux lèvres d'or", reprise du poème de  Paul Eluard. Les paroles de l'album sont d'Amélia Muge, Tiago Torres da Silva, Manuela de Freitas, Maria do Rosário Pedreira, Carla Pires, André M. Santos et Joaquim Balas et les compositions d'Amélia Muge, André M. Santos, Francis Hime, Ivan Lins, Joaquim Balas, Michales Loukovikas et Samuel Quedas.
18 febrero 2021

Komasi presenta « Mezclatotäl »

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés y Inglés Estadounidense. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in this site default language. You may click one of the links to switch the site language to another available language.Komasi présentera son nouvel album "Mezclatotäl" le jeudi 4 novembre 2021 à 20h30 sur la scène du Studio de l'Ermitage, à l'occasion de sa sortie le 5 mars 2021 chez Yapa / InOuïe Distribution. Le groupe est composé de : - Simon Chenet : guitare, choeurs - Mauricio Santana : guitare, chant - Koto Brawa : batterie, chant, percussions L'album Mariage réussi entre cumbia mandingue et afrobeat psychédélique, avec KOMASI, trois continents se retrouvent sur scène : l'Europe avec Simon Chenet (France), l'Afrique avec Koto Brawa (Burkina Faso) et l'Amérique latine avec Mauricio Santana (Chili). L'album "Mezclatotäl" a été enregistré entre Paris, Cuba et Bobo-Dioulasso. Le concept est né de lui-même : "Mezclatotäl", le mélange ultime. Le groupe Les trois membres du groupe KOMASI se connaissent depuis une dizaine d'années, accompagnant les mêmes chanteurs (Edgar Sekloka, KPG, Gaël Faye, Victor Démé...) ou jouant au sein des mêmes groupes (Yapa, Joke...). En 2018, alors que chacun travaille à la réalisation de son disque solo, ils décident d'allier leurs forces pour former un super trio. Trois personnalités charismatiques, trois battants, chacun apportant son univers, ses compositions ainsi que sa culture. Comme dans la bonne cuisine, les ingrédients se marient à merveille pour former une saveur unique, originale et personnelle.
27 enero 2021

Lalala Napoli présente « Cavalluccio » au Studio de l’Ermitage

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés y Inglés Estadounidense. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in this site default language. You may click one of the links to switch the site language to another available language.Lalala Napoli présentera son nouvel album "Cavalluccio" le mercredi 20 octobre 2021 à 20h30 sur la scène du Studio de l'Ermitage, à l'occasion de sa sortie le 5 mars 2021 chez La Curieuse / L'Autre Distribution. Le groupe est composé de : - François Castiello : CHANT, ACCORDÉON - Nicolas Lopez : VIOLON - François Vinoche : BATTERIE - Julien Certin : ACCORDÉON - Thomas Garnier : FLÛTE, GUITARE, CIARAMELLA - Maxime Oudry : CONTREBASSE Depuis 10 ans Lalala Napoli explore ses racines italiennes imaginaires à travers le Naples fantasmé de François Castiello, chanteur accordéoniste de Bratsch. Avec Cavalluccio, le groupe s’est choisi un nouveau destrier pour sonder les profondeurs de la transe, du galop de la tarentelle, aux parades rituelles d’anciennes technos napolitaines. Le choeur scande généreusement ses hymnes à la liberté à la fraternité ; et Rossini lui-même est invité à une fête où sérénades amoureuses, opéras, tamuriatas et cavalcades calabraises s’entre-choquent et se transforment en un nouveau son traditionnel. D’humeur joyeuse et sauvage, picaresque et rugueuse, comme le trop plein d’un cœur immense, Lalala Napoli offre une fête acoustique et électrique pour nous conduire au-delà de l’Italie, de la nuit des temps à demain ! Un troisième album de rage et de douceur mêlées, en partie inspiré par un concert mémorable donné à Allessandria del Caretto (Calabre) à l’été 2018 : 3 jours de fête, d’amour, de soleil et de liberté. Cavalluccio est un pont lancé vers une tradition musicale du futur, qui confirme la place emblématique de Lalala Napoli au sein du paysage musical européen.
7 diciembre 2020

Azmari présente « Samā’ī »

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés y Inglés Estadounidense. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in this site default language. You may click one of the links to switch the site language to another available language. Azmari dévoilera son nouvel album "Samā'ī", à l'occasion de sa sortie le 5 février 2021 chez Sdban Ultra / L’Autre Distribution. « Fat Ari » le premier titre extrait de ce nouvel opus est sorti le 6 novembre 2020 : « Fat Ari signifie "Le créateur" en langue amharique, cette chanson évolue à partir d'un thème envoûtant où flûte et kaval se rejoignent dans une atmosphère unique pour finir par une séquence dub tout droit sortie de l’espace... » Azmari. « Azalaï » le second extrait sort quant à lui le 4 décembre 2020, et voici ce que le groupe en dit : « Lentement, la voilà qui arrive. Sinueuse. Elle frotte son ventre contre la terre, slalome entre les cailloux, trace son destin dans la mer d’or. Azalai. La musique traîne, se répète, se complète et s’envole comme le vent maculé de sable et d’épices. Elle prend sa respiration dans les dunes du désert et avance, avance. Elle avance sans répit, elle se gorge d’images, de saveurs, d’extase et s’intensifie au fur et à mesure du tempo. Elle saccade cette musique. Elle se noie, expire et se réveille sous le soleil d’orient. Les corps tanguent, vrillent, subissent la morsure du soleil et se perdent dans l’ivresse. D’aucun n’en voit le bout. C’est un venin hypnotique. Une transe interminable. Toujours vers l’avant. Toujours vers l’horizon lointain. On avance. Azalai comme seul guide. » Le mot « Azalai » désigne la caravane de commerce touareg qui traversait le désert du Sahara deux fois par an sur près de 1000 kilomètres pour le transport du sel entre Taoudenni et Tombouctou. Le groupe introduit notamment dans ce morceau le saz Baðlama et le kaval, deux instruments qu’ils ont ramené lors d’une tournée à Istanbul et ont ensuite intégré à leur univers. Ces instruments entrent en communion pour nous emmener, grâce à une section rythmique frénétique vers une transe enivrante... ». Créé à Bruxelles en 2015, Azmari est une odyssée musicale qui fusionne avec expertise l'éthiogroove, le dub, le psychfunk et les sons orientaux. S'inspirant d'artistes tels que Okay Temiz, Mulatu Astatke, Cymande, Fela Kuti et The Heliocentrics, un Azmari, littéralement "celui qui loue" en amharique, est un chanteur-musicien éthiopien, comparable au barde européen ou au griot ouest-africain souvent accompagné d'un masenqo - violon à une corde ou krar - lyre, deux instruments traditionnels éthiopiens. Après la sortie de leur premier EP "Ekera" l'année dernière, une série de concerts à travers l'Europe a permis de développer le son Azmari dont dix jours de concert à Istanbul qui ont « ouvert les oreilles » du groupe aux sons et aux rythmes turcs des années 60. Désireux de retourner en studio pour commencer à travailler sur leur premier album, ils ont étudié minutieusement les gammes turques et éthiopiennes, tout en apprenant par la même occasion de nouveaux instruments, notamment le berimbau, le ney et bağlama. Le son d’Azmari s'est transformé en un voyage rebel, implacable et hypnotique. Les neuf titres qui composent le premier album "Samā'ī", dont la sortie est prévue le 5 février chez Sdban UItra / L’Autre Distribution, sont une expérience profondément hypnotique où des rythmes envoûtants et des improvisations sinueuses projettent l'auditeur dans un état de conscience supérieur. Du saxophone magique du début de l'album "Zegiyitwali", au modèle dubby de "Cosmic Masadani" et aux joyeuses trompettes de "Kugler", Azmari mélange avec précision et sans effort des mélodies africaines et orientales, offrant une nouvelle vision du son ethiojazz. En outre, les sons lourds et rythmés de "Tariq Al Sahara" et du mystique et cosmologique "Azalai" poursuivent notre voyage sacré avec des saxophones enragés et des percussions qui décoiffent. Tandis que le titre "Kadiköy", libre d'esprit et planant, d'une durée de neuf minutes, donne un aspect trance à des motifs où le jazz psychédélique rencontre l'afro-funk.
7 diciembre 2020

Aribo Productions présente «Medicine Man Orchestra»

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés y Inglés Estadounidense. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in this site default language. You may click one of the links to switch the site language to another available language.Aribo Productions présente "Medicine Man Orchestra", à l'occasion de sa sortie digitale chez Believe et physique chez L’Autre Distribution le 5 février 2021 . L’album sera présenté sur la scène du Studio de L’Ermitage, à l’occasion d’un concert de lancement en Live Stream le vendredi 22 janvier 2021 à 21h00. Le projet Medicine Man Orchestra est né de la rencontre entre le griot béninois Seidou Barassounon et le producteur français Mathieu Insa. C’est une véritable épopée sensorielle qui réunit sur scène les percussions de Mélissa Hié (Burkina Faso), les machines électroniques d'Alissa Sylla (Sénégal) et les incantations du griot. Le guitariste britannique Justin Adams (Tinariwen, Robert Plant) et le percussionniste nigérian Wura Samba (Keziah Jone, Nneka) ont également participé aux enregistrements de la musique du spectacle composée par Alissa Sylla. La scénographie est confiée à Nicolas Ticot (XLR Project) pour la création de fresques lumineuses en trois dimensions synchronisées à la musique. Enfin, France Médias Monde, principal partenaire du projet, apporte avec RFI Labo, son expertise concernant le mixage en son binaural ainsi que la conception de vidéos en réalité virtuelle. La technologie binaurale permet notamment un rendu sonore au plus proche de l’écoute naturelle. Nous vous annoncerons prochainement la date la première parisienne, d'ici là voici les dates de la tournée 2020 / 2021 : - 26 novembre : Alliance Française d’Accra (Ghana) - 28 novembre : Institut Français de Lomé (Togo) + Atelier numérique le 30 novembre - 5 décembre : Institut Français de Cotonou (Bénin) + Masterclass au lycée Montaigne le 4 décembre - 12-14 janvier 2021 : résidence au Forum de Vauréal avec sortie de résidence le janvier 14 soir. « Medicine Man Orchestra » est une expérience sensorielle dans l’univers spirituel des griots d’Afrique de l’Ouest. Il explore le pouvoir émotionnel et thérapeutique de la musique et des mots au delà des frontières et à travers l’histoire. Les griots sont nés sous l’empire du Ghana (IVe-XIIIe siècle), puis ont traversé l’histoire de l’empire du Mali (XIIIe-XIVe siècle) puis de l’empire Songhaï (XVIe et XVe siècle) et sont toujours présents de nos jours. Découvrir leur musique est un défi lancé au temps : c’est découvrir une musique contemporaine de notre Moyen Age européen mais qui a su rester vivante, populaire, évolutive et « classique » au sens noble du terme ! Vous l’entendez aujourd’hui dans les cours des chefs de village comme à la radio ou à la télévision. Cette musique millénaire, écoutée et respectée dans toute l’Afrique de l’Ouest, joue un rôle essentiel : la transmission de la mémoire par la parole, hors des institutions religieuses. La musicothérapie est utilisée pour améliorer le bien- être général et particulièrement bénéfique dans l’accompagnement de personnes rencontrant des difficultés comportementales, relationnelles ou de communication. De tout temps, l’effet thérapeutique de la musique a été reconnu. Les Anciens et les cultures traditionnelles la considéraient comme une science sacrée. Les griots d’Afrique de l’Ouest n’ont jamais douté de l’effet thérapeutique de leur musique. Ainsi, en fonction du contexte, ils vont tantôt jouer une musique pour consoler ou réconforter lors des funérailles d’un roi par exemple, tantôt pour éloigner des énergies négatives ou encore pour entrer dans une transe méditative ou joyeuse. Ainsi, Medicine Man Orchestra est une « troupe thérapeutique itinérante » qui utilise les codes de la musicothérapie et offre aux spectateurs du monde entier une expérience auditive et visuelle unique utilisant des technologies innovantes de diffusion des sons et des images. C’est un projet ambitieux qui se donne comme mission l’apaisement et le mieux-être de l’humanité.
23 octubre 2020

Clément Oury présente «La tête dans la mur»

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en Francés. For the sake of viewer convenience, the content is shown below in the alternative language. You may click the link to switch the active language.Clément Oury dévoilera son nouvel album "La tête dans le mur", à l'occasion de sa sortie le 13 novembre 2020 chez Vlad / Inouïe Distribution (digital / vinyle). « Quelques sons du quotidien enregistrés au fil des saisons. Des grains de maïs, des fleurs de houblon, des noix, des pétales de roses et je commence avec cette valse d’Automne. Puis l’envie de partager ces ambiances avec d’autres musiciens à qui je propose ces instrumentations minimalistes, répétitives qui commencent à prendre forme. » Clément Oury. Il ne lui aura pas fallu beaucoup de temps pour accorder son violon : pas de pause ni de soupir pour Clément Oury qui commence son premier couplet dans des conservatoires (ENM de Beauvais puis Conservatoire du Centre de Paris). La ballade se poursuit en crescendo avec la rencontre du tuba dans lequel il s’épanouit deux ans au Conservatoire National de Région de Boulogne-Billancourt dans la classe d’Arnaud Boukhitine, mais aussi en analyse, harmonie, musique de chambre, prise de son et orchestre. Après un an d’auditeur libre au CNSM de Lyon dans la classe de Mell Cubertson, il entre dans la prestigieuse Universitat der Kunste de Berlin dans la classe de Dietrich Unkrodt où il obtient un premier prix. A sa portée, une large gamme de genres musicaux dans lequel il apporte sa touche notamment dans l'Orchestre Philharmonique du département de l’Oise, le projet Shantel & Bucovina Club avec qui il part en tournée européenne pendant 2 ans ou encore dans l'enregistrement de bandes originales dont celle du dernier film de Tony Gatlif. Ce parcours aurait pu se terminer en fanfare, avec Ziveli Orkestar avec qui il joue pendant 10 ans, mais non, le tempo est lancé et Clément Oury se met à accompagner différentes formations : le quatuor Aalma Dili, le groupe Soviet Suprem et depuis peu le projet plus électronique : Mezerg Orkestar. Ce multi-instrumentiste rythme aussi depuis quelques années, tant en enregistrement qu'en concert, les mélodies des jolies voix de The Do, Yael Naïm et depuis peu, Emily Loizeau. La partition était déjà toute écrite et cela va durer jusqu'à ce que l'idée de donner naissance à sa propre musique ne survienne. Clément Oury, après une longue période de réflexion finit par faire appel à sa longue expérience artistique ainsi qu'à son inspiration pour faire émerger un premier album solo reflétant les émotions de la vie.  
23 octubre 2020