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Le groupe Zumbao, sous la direction du pianiste, compositeur et arrangeur SimonBolzinger révèlera le 13 mars 2026 chez Picante / Socadisc "Chachacha contra la guerra", un single engagé et vibrant d'actualité, en hommage à Rafael Quintero (décédé en 2024) chanteur et compositeur du groupe. Le single "Chachacha contra la guerra" sera disponible sur toutes les plateformes, et aussi en clip à la même date. Cette chanson est écrite par Rafael Quintero, poète et chanteur vénézuélien installé à Marseille, au début des années 2000, en protestation aux nouvelles guerres fomentées par les États Unis dans le monde, et notamment en Irak. Rafael Quintero est alors le chanteur et le compositeur du groupe Zumbao, basé à Marseille et dirigé par Simon Bolzinger. La musique est co-écrite entre Quintero et Bolzinger, et le groupe interprète le titre à l'occasion de nombreux concerts, comme en particulier la Fête de l'Humanité à Paris en septembre 2001. Comme le font tous les soneros, Rafael Quintero réinvente les paroles des couplets à chaque interprétation. Au fil du temps la chanson se dirige plus généralement contre les fabricants d'armes qui s'enrichissent grâce à la guerre. Le groupe Zumbao sera réuni à Marseille le 26 mars 2026 pour rendre hommage à Rafael Quintero, et à son œuvre. Il réinterprétera à cette occasion le « Chachacha contra la guerra ». Le groupe Zumbao est constitué de musiciens de renom de la scène Latin Jazz : - Simon Bolzinger (piano, direction) - Martin Fuenmayor (voix lead ) - Gilles Grivolla (saxophone) - Alain Henriot (trompette) - Isabel de la Roca (trombone) - Carlos Sanoja (basse) - Edwin Sanz (timbales, congas, percussion mineure ) - Cédric Léonardi (batterie) Historique de "Chachacha contra la guerra" : Cette chanson est écrite par Rafael Quintero, poète et chanteur vénézuélien installé à Marseille, au début des années 2000, en protestation aux nouvelles guerres fomentées par les États Unis dans le monde, et notamment en Irak. ese el coloso del norte que en su colmillo estridente siempre tiene aqui clavado en los paises independientes le dieron palo en Vietnam saben a quien me refiero le daran palos en el Irak palo palo con palo Rafael Quintero est alors le chanteur et le compositeur du groupe Zumbao, basé à Marseille et dirigé par Simon Bolzinger. La musique est co-écrite entre Quintero et Bolzinger, et le groupe interprète le titre à l'occasion de nombreux concerts, comme en particulier la Fête de l'Humanité à Paris en septembre 2001. Comme le font tous les soneros, Rafael Quintero réinvente les paroles des couplets à chaque interprétation. Au fil du temps, la chanson se dirige plus généralement contre les fabricants d'armes qui s'enrichissent grâce à la guerre. quienes fabrican las armas tambien van a fabricar la manera de venderlas guerras van a fomentar los gringos tienen un master ese es gran interes canones rifles misiles a todos quieren vender En 2006, Zumbao joue en ouverture de la Feria de Cali en Colombie, capitale mondiale de la salsa. Afin de gagner à sa cause le public colombien, Rafael Quintero dénonce une nouvelle fois l'impérialisme états-unien, et sa tentative de provoquer une guerre entre le Venezuela et la Colombie, tentative qui sera par la suite vouée à l'échec. me aseguro que yo nunca lo podria pensar que un pais tan hermoso no consigua el camino hacia la paz Le groupe Zumbao se disloque après la Feria de Cali et la chanson n'est pas enregistrée. Quintero tombe malade en 2022 et quitte la France pour le Venezuela. Bolzinger lui propose d'enregistrer ses chansons inédites, dont le « Chachacha contra la guerra ». Les nouvelles paroles destinées à l'enregistrement s'adapteront à l'actualité, toujours dominée par les guerres financées par les États-Unis, en particulier à Gaza et en Ukraine. Genocidio en Palestina La ONU guarda silencio Aunque hay un repudio inmenso Contra Israel que asesina La production est lancée en 2024 et durera un an et demi, avec des enregistrements réalisés à distance de manière à regrouper les anciens membres du groupe Zumbao : Marseille, Paris, Genève, Mexico, Cali et Caracas apporteront leurs pierres à l'édifice. L'état de santé de Quintero s'étant dégradé, il ne pourra pas enregistrer la chanson et décède en décembre 2024. Bolzinger fait appel au chanteur vénézuélien Martin Fuenmayor pour la partie salsa, mais ne trouve pas de nouvel interprète pour la partie rap prévue par Quintero : La OTAN es instigador De ataques y destrucción Pasó de defensa a ataque De cuidar a amenazar Quiero tu petróleo Te hago la guerra No me gusta tu gobierno Te hago la guerra Viene aumentando tu industria Te hago la guerra Afin de permettre la sortie du single à temps avant le concert d'hommage à Rafael Quintero, organisé par Radio Galère à Marseille le 26 mars 2026, Bolzinger décide de remplacer le rap initialement prévu avec Quintero par un remix du discours pour la paix prononcé par Nicolas Maduro, président du Venezuela le 17 novembre 2025, qui fait le buzz et est déjà remixé par l'influenceur dominicain Hey Santana. Le 3 janvier 2026, le pouvoir change de main au Venezuela. La production du master est terminée quelques jours plus tard et le clip vidéo dans les semaines qui suivent, en puisant des images dans les chaînes d'information sur YouTube. Le single « Chachacha contra la guerra » sortira le 13 mars 2026, distribué par Inouïe Distribution. Le groupe Zumbao sera réuni à Marseille le 26 mars 2026 pour rendre hommage à Rafael Quintero, et à son œuvre. Il réinterprétera à cette occasion le « Chachacha contra la guerra». Par la suite sera lancé un appel à contributions à tous les artistes chanteurs.ses et rappeurs.euses souhaitant enregistrer à leur tour de nouveaux couplets de la chanson, afin que perdure la protestation mondiale contre ceux qui financent les guerres et s'enrichissent grâce à l'oppression des peuples.

Le groupe CAMiNOS, sous la direction du compositeur et guitariste Germain Chaperon, révélera son nouvel EP éponyme le 24/04/2026 chez Piment Rouge Production / ACEL WORLD WIDE / InOuïe Distribution. Cet opus sera présenté le jeudi 04/06/2026 sur la scène du Triton (Les Lilas) lors d’un concert de lancement exceptionnel. Le 1er single "Lila" sera disponible sur toutes les plateformes dès le 06/03/2026 ! CAMiNOS, ces chemins que nous suivons, que nous croisons, que nous créons... Cette idée de parcours, de cheminement, tant dans la vie que dans la musique, est au centre du projet. Sur une base de compositions originales de Germain Chaperon, CAMiNOS met en lumière les univers que chaque musiciens a glané sur son parcours pour ce rendez-vous à la croisées des chemins, des rencontres qu’on peut y faire, et de la manière dont nous nous construisons avec. Ainsi se crée naturellement un pont entre les cultures, où l’on s’aperçoit qu’à travers tous ces chemins de vie, ces étapes, ces accidents, qui font de nous ce que nous sommes à un moment donné, une humanité profonde nous rassemble. C’est cette rencontre et cette connexion que le projet met en valeur, pour un voyage musical au delà des frontières, qu’elles soient physiques ou culturelles. Basé à Marseille, CAMiNOS propose un répertoire résolument méditerranéen, avec des chants en occitan, en espagnol, en italien, qui viennent ponctuer un univers musical voyageur, évoquant des cultures qui nous inspirent : Les Indes, l'Europe de L'Est, l'Afrique du Nord, et bien sûr le Flamenco espagnol et ses résonances Sud Américaines, dans une écriture qui peut faire appel au jazz et aux musiques actuelles. Le groupe CAMiNOS est composé de Germain Chaperon (compositions, guitare) ; Neda Cainero (chant) ; Marek Eichler (basse) ; Sven Clerx (batterie). « El encuentro que se cruza en tu camino, El camino, el que marca tu destino. » La rencontre, celle qui croise ton chemin, le chemin, celui qui marque ton destin. DISTRIBUTION : Ce projet est articulé autour des compositions à la guitare de Germain Chaperon. Imprégné de nombreuses influences allant de l’Inde à l’Amérique du Sud, en passant par l’Europe de l’Est et l’Afrique, il inclut dans son jeu une forte touche flamenca, là où, à son sens, la guitare trouve sa plus belle expression. Neda Cainero au chant illustre parfaitement le propos de CAMiNOS. Son répertoire voyage à travers l’Europe, l’Amérique Latine et l’Afrique. De la chanson au jazz, de la cumbia au reggae, tout en passant par la tarentelle. Les styles et les paysages sonores se croisent et se mélangent dans ses propositions musicales. A la basse, Marek Eichler est issu de la scène jazz rock tchèque et hollandaise. Son arrivée en France a marqué sa rencontre avec les musiques Gnawa du Maghreb et le Flamenco, il met sa virtuosité et sa musicalité au service du projet. A la batterie, Sven Clerx qui, après son prix de conservatoire s’est dédié à la scène tant dans le jazz expérimental que le spectacle vivant, propose une grande technicité et une belle énergie.

Le compositeur et luthier grec Stelios Petrakis révèlera "Lyric" son 10e album, à l'occasion de sa sortie le 13 février 2026 chez Buda Musique / Socadisc.   « La musique est une union. Union du créateur avec son monde intérieur, son expérience, sa vision, et ses collègues musiciens, de l'œuvre et du créateur avec le public, et des auditeurs entre eux. Comme dans toute union, il faut bien que quelqu'un fasse le premier pas. Avec le concours de musiciens invités, anciens et nouveaux amis, que j'admire et avec lesquels je suis heureux et reconnaissant de me retrouver, je tente d'interpréter à la lyre des pièces apparemment sans lien, des pièces venues de près ou de loin, des pièces familières mais aussi «étrangères» aux auditeurs avertis, qui semblent pourtant unies par un lien commun et profond. Un auditeur amical qui m’était inconnu m'a adressé un jour ce que je considère comme le plus grand compliment que j'ai reçu pour ma musique. Il m'a dit : «Merci pour les portes que tu m'ouvres vers l’inconnu» C'est donc précisément ces portes que j'essaie d'ouvrir à nouveau, et si j'ai réussi ne serait-ce qu'à les entrouvrir un peu, cela me suffit. J'espère vous voir à mes concerts pour partager à nouveau de la belle musique ensemble. Bonne écoute! »   Stelios Petrakis   Sur ce nouvel opus, Stelios Petrakis (lyre, luth) est accompagné des talentueux musiciens :   Giorgis Xylouris : chant ; Bijan Chemirani : zarb , daff, bendir, karbas, balai ; Sylvain Barou : Uilleann pipes, Armenian zurna, kaval, tulum, kanbazurna, flûte ; Maëlle Duchemin : harpe ; Pavlos Spyropoulos : contrebasse ; Sakir Ozan Uygan : daouli ; Michalis Kontaxakis : mandoline ; Mattia Manco Gregoriadis : accordéon ; Samuel Mele : guitare ; Antonis Voumvoulakis : guitare ; Efrén López : mandoline, cuatro, davul   Biographie Stelios Petrakis : Compositeur et fabricant d'instruments, Stelios Petrakis a été initié à l'art de la lyre dès son plus jeune âge. Il a eu de nombreux professeurs influents lors de séminaires et de cours réguliers, maîtres de la musique orientale, tels que Ross Daly, Talip Ozkan, le Dr L. Subramaniam et bien d'autres. Il a beaucoup collaboré à des concerts et des enregistrements avec des musiciens importants de la scène internationale (Ross Daly, Chemiranis, Efren Lopez, etc.), avec nos musiciens traditionnels de musique crétoise (Giorgis Xylouris, Vassilis Stavrakakis), avec des compositeurs grecs et internationaux (Christos Leontis, Stamatis Spanoudakis, Stephanie Economou, Joseph Shirley) ainsi qu'avec d'autres musiciens dans des enregistrements pour des films, des disques et des concerts. Il est aujourd'hui l'un des principaux représentants et innovateurs de la musique traditionnelle, avec neuf disques personnels et de nombreuses distinctions internationales à son actif. Avec son quatuor, il fait voyager la musique crétoise aux quatre coins du monde, de l'Inde et la Malaisie au Théâtre de La Ville à Paris et au Carnegie Hall à New York, et presque partout ailleurs, l'ouvrant à un public toujours plus large. Les moments forts de sa carrière musicale sont l'ascension au sommet du classement World Music Charts Europe (juillet 2022) pour le CD « Spondi », l'annonce du CD « L'Art de la Lyra » comme le meilleur de l'année 2016 sur Radio France, ainsi que ses concerts à guichets fermés au Théâtre de la Ville (Paris) et au Carnegie Hall (New York). Au cinéma, il a largement participé aux enregistrements du film « My Big Fat Greek Wedding vol. 3 » de Nia Vardalos avec une musique de Stephanie Economou, aux enregistrements du film « Killer Heat » de Philippe Lacôte avec une musique de Joseph Shirley, tandis que le documentaire « Thalatta » de l'université de Thessalonique, qui traite de la surpêche en mer Égée, a été entièrement investi de sa propre musique. En tant que luthier, il possède son propre atelier en Crète, où il fabrique des lyres, des luths, des baglamas et d'autres instruments à cordes. Ses propres créations sont exposées dans des musées d'instruments de musique à travers le monde, tels que la « Cité de la musique » à Paris, au Japon, en France, en Pologne et en Grèce. Des musiciens célèbres du monde entier jouent de ses instruments, tels que Ross Daly, Efren Lopez, Kelly Thoma, Les Claypool, Sean Lennon, Giorgis Xylouris. Il est diplômé de la faculté de droit de l'université d'Athènes et parle anglais, français et turc.

Le duo vocal féminin LEÏ, composé de Laurène Barnel et Carine Habauzit, révélera son nouvel album « Amarre » qui sortira le 13/02/2026 chez Inouïes / InOuïe Distribution. Cet opus sera présenté le jeudi 12/03/2026 à 20h30 sur la scène du Consulat (Paris, 11e) lors d’un concert de lancement exceptionnel. Le 1er single "Lo hadi aingürüa" est déjà disponible sur toutes les plateformes depuis le 30/01/2026 ! Amarre, c'est le chant des femmes libres qui bercent avec tendresse leurs enfants et leurs rêves. Les deux voix de LEÏ, tissent ensemble une musique empruntée aux traditions orales de la Méditerranée. À travers ce répertoire, LEÏ chante pour prendre soin, dans un univers intimiste, à la fois doux et incandescent. Le duo sera en tournée en France pour présenter ce nouvel opus :  14/02/2026 - RELEASE PARTY à l’Église de Champaubert (51) 21/02/2026 - RELEASE PARTY à La Crypte, Lagorce (07) 12/03/2026 - RELEASE PARTY au Consulat, Paris (75) 21/04/2026 - Théâtre de Privas (07) 23/05/2026 - Nuit des Musées - concert en quartet - Vieille Charité (13)  01/08/2026 - Église de Laboule (07)   Biographies Laurène Barnel Diplômée en 2018 des Beaux-Arts de Paris, Laurène Barnel est une artiste pluridisciplinaire. Depuis 2023, elle développe une pratique du chant oriental auprès de Dorsaf Hamdani à l’Institut International des Musiques du Monde. Par ailleurs, Laurène se forme à d’autres traditions vocales, telles que le chant d’Anatolie auprès d’Eléonore Fourniau, des percussions ibériques avec Grégory Duveau, et des polyphonies corses auprès de Jean Philippe De Peretti. Par ailleurs, elle devient cheffe de chœur et arrangeuse au sein du groupe semi-professionnel AMANEOS qu’elle co-fonde en 2018. Dans le champ des arts visuel, sa démarche s’articule autour de la création collective, la cartographie et la poétisation du quotidien, principalement à travers la vidéo et la photographie. En 2022, elle obtient un diplôme d’Artiste Intervenante en Milieu Scolaire (AIMS) qui scelle son engagement à transmettre l’art. Carine Habauzit Depuis 2019, Carine se forme à différentes traditions chantées; chant polyphonique occitan avec Beatriz Lalanne, chant polyphonique corse avec Muriel Chiaramonti, chants de la Méditerranée, d’Andalousie et pratique du bendir avec Catherine Braslavsky et Joseph Rowe puis chants et percussions ibériques avec Grégory Duveau. Elle s’intéresse aussi au chant traditionnel mongol avec Johanni Curtet et apprend le daf kurde avec Shadi Fathi. Elle suit le cursus de chant grec et d’Asie mineure avec Maria Simoglou. De ses expériences dans le domaine du yoga et de la méditation, elle garde une approche du corps, du souffle et de la présence au sein de sa pratique musicale (formation en yin yoga «du son avec Romulo Pelliza), ainsi qu’un intêret pour l’improvisation. Sa formation initiale entre art contemporain (ENSBA Lyon) et cinéma nourrit sa volonté de mailler tradition et innovation. En 2020, elle intègre l’ensemble semi professionnel AMANEOS en tant qu’arrangeuse/cheffe de choeur.

Le pianiste et compositeur François Moity vient de révéler "Alone together"  son 10e album au format LP vinyle,  à l'occasion de sa sortie le 16 janvier 2026 chez Buda Musique / Socadisc. Ce nouvel opus est également disponible en digital sur toutes les plateformes.   Après une première carrière de musicien de scène puis une seconde à composer pour l’image ou la publicité, François Moity revient aux sources -seul au piano- pour partager quelques titres inédits et nous offrir une nouvelle lecture de purs joyaux venus du classique, du cinéma ou de la chanson. « Ces merveilles m’accompagnant depuis toujours, il était donc temps, avec cet album, de rendre un simple et juste hommage à leurs créateurs » (François Moity) BIOGRAPHIE   Passé - tardivement - par le conservatoire, François se décrit avant tout comme musicien autodidacte. Né en 1961 à Paris, il fait ses premières armes professionnelles à l’orée des années 80 au studio CBE, sous le regard bienveillant de Bernard Estardy, à l’époque ingénieur du son-réalisateur majeur de la musique de variété française. Après plusieurs années à « se faire les mains » dans de modestes ou mythiques studios parisiens, il découvre les joies du concert et l’ambiance grisante des tournées internationales au contact du légendaire bluesman Luther Allison. Il y fera très vite de nombreuses et riches rencontres et sera remarqué par la scène africaine, alors en pleine effervescence. Joignant sa passion à son goût pour le voyage, il collabore, près de deux décennies, avec des artistes tels que Pierre Akendengue, Alberto « Teta » Lando, Mory Kante et bien sûr Manu Dibango avec lequel il tournera à travers le monde pendant près de cinq années. Puis, son besoin de composer et sa sensibilité personnelle pour l’image le poussent vers de nouveaux horizons. Après un rapide crochet par la musique de librairie, il fait ses vrais débuts comme compositeur de musique à l’image et enchaine bientôt court- métrages, documentaires, habillages TV et surtout spots publicitaires. Tout au long des années 2000, il sera très sollicité et signera notamment les identités musicales des grands groupes institutionnels - Gaz de France, EDF et Véolia - ou de marques prestigieuses comme Guerlain, Saab, Adidas ou encore Marlboro Classics... Insatiable curieux, il illustrera même bon nombre de « grands projets d’architectes », réalisés en images de synthèse tout en menant de front la réalisation d’albums instrumentaux (plus rarement, chantés), sortes de bandes son de films imaginaires. Cinéphile dans l’âme et grand amoureux du rapport qu’entretiennent musique et image, François nous fait partager cette passion depuis ses tous premiers albums. Résident au Studio Ferber depuis de nombreuses années, il y a notamment créé et enregistré en compagnie de ses complices et amis David Menke (également compositeur, multi-instrumentiste) et Guillaume Bongiraud (violoncelliste) le Ciném4tik Project; formation en trio qui revisite les grandes partitions du cinéma international du siècle dernier. 2026 marque le retour aux sources avec un nouvel opus, « Alone Together » réalisé seul au piano, face à ses maîtres musicaux de toujours. Et cette nouvelle année promet d’être foisonnante avec un second Ciném4tik en préparation et un hommage - pianistique toujours - aux magnifiques pages de la musique classique orchestrale. Il se murmure même qu’un recueil de chansons, en gestation, pourrait compléter ce joli programme...

Après le succès de sa tournée en France en 2025 (La Marbrerie, Musiques Métisses, Africolor...), le Cesária Évora Orchestra poursuit sa route à la rencontre de son public pour célébrer Cesária Évora, en réunissant sur scène la crème des musiciens capverdiens et quelques-unes des plus grandes voix actuelles : Elida Almeida, Lucibela, Téofilo Chantre et Ceuzany. Voici les premières dates de la tournée à venir en France et en Europe pour 2026 (d'autres seront annoncées prochainement ) : 18/03/2026 : Le Colisée, Lens (62) 19/03/2026 : Rocher de Palmer, Cenon (33) 20/03/2026 : festival Détours de Babel, L’Heure Bleue, Saint-Martin d’Hères (38) 21/03/2026 : L’Arsenal, Metz (57) 12/06/2026 : Les Nuits de Fourvières, Lyon (69) // invitée : Mayra Andrade 13/06/2026 : Barbican, Londres (UK) // invitée : Mayra Andrade 17/07/2026 : Verbier Festival, Vevey (CH) La formation actuelle est composée de la crème des artistes de la scène cap-verdienne d'aujourd'hui : Ceuzany, Elida Almeida, Lucibela et Teofilo Chantre. La disparition soudaine de Cesária Évora le 17 décembre 2011 suscita une grande émotion parmi ses fans qui se réunirent par milliers, en 2012, pour honorer sa mémoire lors de concerts mémorables, notamment à Toulouse, Lisbonne, Amsterdam et Paris. Autour des musiciens qui accompagnaient habituellement la chanteuse, les plus grandes voix des musiques du monde sont venus rendre un ultime hommage à celle que l’on surnommait La Diva aux pieds nus – parmi elles Bonga, Angélique Kidjo, Lura, Ismaël Lô, Mayra Andrade, Bernard Lavilliers, Tito Paris pour n’en citer que quelques-unes. Après ces grandes messes, les musiciens n’ont eu qu’une envie : continuer à faire vivre le répertoire de Cesaria qui avait enchanté le public sur les scènes du monde entier. C’est ainsi qu’ils se réunirent sous le nom de Cesária Évora Orchestra pour un premier concert, en 2014 au Kriol Jazz Festival à Praia (Cap-Vert), en hommage à l’icône des musiques du monde et à son action, notamment en tant qu’Ambassadrice de la musique cap- verdienne. Depuis cette date, le Cesária Évora Orchestra se produit régulièrement dans le monde pour célébrer Cesária Évora.

Le Bal Jacquin, le quartet "bal du monde" porté par l'accordéoniste, compositeur et explorateur de rythmes Éric Allard-Jacquin, révélera son nouvel album « Au bout du bout » qui sortira le 20/03/2026 chez A tout va / Modulor Records Paris.  Cet opus sera présenté le jeudi 09/04/2026 sur la scène de La Petite Halle (Paris, 19e) lors d’un concert de lancement exceptionnel. Le 1er single éponyme de l'album en featuring avec Bazbaz est d'ores et déjà disponible sur toutes les plateformes ! “Au bout du bout s’offre ainsi comme un disque de résistance. Contre l’abandon de l’accordéon aux ringards type Chance aux chansons, contre la gangrène identitaire, contre le repli sur soi et le ressassement ad nauseam de ses propres peines et douleurs, ces dix compositions affirment les pouvoirs transcendants de l’imaginaire, de l’expérience, du partage et de l’attention au monde. Bien sûr, quelques démons passent encore, ainsi que des coulées de mélancolie. Mais la danse remet les choses à leur place, le cœur qui bat au centre, tout ce qui menace de l’arrêter à la périphérie. Au bout du bout, pour le Bal Jacquin, l’avenir s’ouvre.”  Louis-Julien Nicolaou Aux côtés d’Éric Allard-Jacquin (accordéon), on retrouve trois musiciens au parcours singulier : Matthis Pascaud (guitare), figure du jazz électrique et des musiques actuelles, dont les textures et les improvisations apportent une tension subtile au groove collectif. François Lapeyssonnie (basse), à la fois souple et solide, tisse les fondations rythmiques avec une précision organique. Arthur Alard (batterie), musicien à la croisée du jazz, du groove et des musiques du monde, impulse le mouvement avec finesse et énergie. Deux talentueux guests complètent le quartet : Bazbaz (chant) sur le titre "Au bout du bout" (piste 2) Oriane Lacaille (chant, percussions) sur le titre "Fanm tambour" (piste 4) Le Bal Jacquin, c’est une invitation à la danse, à l’écoute, à la traversée des styles et des territoires sonores. Né sous l’impulsion d’Éric Allard-Jacquin, accordéoniste, compositeur et explorateur de rythmes, le groupe rassemble quatre musiciens issus de scènes riches et contrastées, unis par une même envie : faire vibrer un bal d’aujourd’hui, curieux, ouvert et sans frontières. Le Bal Jacquin n’est ni un bal musette ni un bal folk. C’est un bal libre. Il emprunte aux formes traditionnelles ce qu’elles ont de plus vivant : leur capacité à rassembler, à émouvoir, à faire danser – tout en les réinventant avec une langue musicale contemporaine. À la croisée des chemins, le groupe assume pleinement ses influences : les transes boisées et cuivrées de Baobab Orchestra, les récits musicaux voyageur de Ry Cooder, et l’inventivité joyeuse d’un André Minvielle, capable de faire swinguer les mots comme les corps. Les compositions d’Éric Allard-Jacquin naviguent entre chanson, transe instrumentale, rythmes chaloupés et envolées poétiques. La voix y est rare, mais jamais absente : elle surgit, parlée ou chantée, souvent en dialogue avec l’accordéon. On y entend les échos de la Méditerranée, de l’Afrique de l’Ouest, des bayous du Sud des États-Unis, ou encore des bals populaires d’Europe centrale Après plusieurs concerts en France, Le Bal Jacquin s’apprête à sortir son premier album « Au bout du bout », fruit d’un travail de création exigeant et généreux. L’album, enregistré en studio, accueillera plusieurs invités de renom, dont Camille Bazbaz et Oriane Lacaille, deux artistes dont la singularité et le timbre enrichissent la palette sonore du groupe. Plus qu’un projet musical, Le Bal Jacquin est une manière de concevoir le collectif : une musique vivante, en dialogue constant avec le public, avec le monde, avec la danse. Un bal où l’on ne reproduit pas, mais où l’on invente à chaque instant.

Le flûtiste, compositeur et créateur sonore Jocelyn Mienniel révèlera "Jocelyn Mienniel  & Les Instruments Migrateurs" son 6e album (digital et CD),  à l'occasion de sa sortie le 16 janvier 2026 chez Buda Musique / Socadisc.   “Parce que les cultures musicales des cinq continents sont des oiseaux migrateurs qui racontent l’histoire de l’humanité passée, présente et future. Parce que l’Art de la flûte comme la voix chantée, est un témoignage vibrant et permanent du multiculturalisme qui nous entoure.”    A l’origine de ce projet, la nécessité impérieuse d’abattre les murs physiques et psychiques qui s’érigent un peu partout sur la planète et plus insidieusement dans nos esprits. Ainsi ces instruments migrateurs ne peuvent être mieux nommés, qu’ils apparaissent en Chine, en Perse ou en Afrique de l’Ouest, ils transportent avec eux la richesse de l’humanité. Tel les contes, ils se sont parés des langues et coutumes rencontrés pour nous offrir ces expériences intenses de découverte d’un Ailleurs si éloigné et si proche, d’un Autre si différent et si semblable. Pour frapper fort, Jocelyn Mienniel propose une idée simple, profitant d’une résidence de deux saisons au Comptoir / Halle Roublot, il décide de rassembler des artistes hors-norme, venant des 5 continents, dialoguant par-delà les frontières. Ils se retrouvent sur scène de 15 à 19 heures et expérimentent ensemble une trame donnée au préalable par chacun des protagonistes. Ils joueront le soir même et partageront les fruits de leur rencontre éphémère dans une improvisation libre. C’est un bonheur de partager à nouveau un moment de ces 13 concerts inoubliables. Jocelyn Mienniel (flûtes, Ney, flûte peul, kalimba, guimbardes et hukusi) s'est entouré sur ce projet des artistes suivants : - Senny Camara (SNG) : chant & kora - Clément Petit (FRA) : violoncelle - Mieko Miyazaki (JPN) : koto - Amrat Hussain (IND) : tablas - Aïda Nosrat (IRN) : chant - Abdallah Abozekry (EGY) : saz - Landy Andriamboavonjy (MDG) : harpe - Éléonore Billy (FRA) : nickelharpa - Mohannad Nasser (SYR) : oud - Yaping Wang (TWN) : yangqin - Ilya Amar (FRA) : vibraphone - Karine Gonzalez (FRA) : danseuse flamenco - Dramane Dembélé aka Popimane (BFA) : flûte peul - Antony Gatta (FRA) : percussions - Gülay Hajer Toruk (TUR) : chant & bendir - Kengo Saïto (JPN) : rubab - Fernanda Primo (BRA) : guitare - Amadou Daou (MAL) : calebasse - Canan Domurcakli (TUR) : chant & saz - Morgane Le Cuff (FRA) : chant & harpe - Sogol Mirzaei (IRN) : târ - Shao-Huan Hung (TWN) : orgue sheng - Kamilya Jubran (PAL) : oud - Iyad Haïmour (SYR) : qanoun - Daouda Sackone (MAL) : n’goni - Séverine Morfin (FRA) : alto - Denis Colin (FRA) : clarinette basse - Guo Gan (CHN) : erhu - Mohamed Abozekry (EGY) : oud BIOGRAPHIE JOCELYN MIENNIEL Jocelyn Mienniel est un flûtiste, compositeur et créateur sonore parmi les plus singuliers de sa génération. Naviguant entre musiques contemporaines, improvisation, jazz, et exploration électro-acoustique, il redéfinit les frontières du jeu flûtistique avec une exigence rare et une liberté assumée.  Formé au conservatoire puis nourri par des collaborations pluridisciplinaires (danse, théâtre, cinéma, musiques électroniques), Jocelyn développe une esthétique profondément personnelle, où la flûte devient tour à tour souffle primitif, instrument d’avant-garde et vecteur d’un lyrisme moderne. Il est reconnu pour sa virtuosité expressive autant que pour son sens de la narration sonore.  Artiste transversal, il compose régulièrement pour l’image, la scène et les projets immersifs, et se produit sur les plus grandes scènes en France comme à l’international. Son travail est salué pour sa capacité à conjuguer rigueur instrumentale, innovation sonore et une présence scénique captivante.  Jocelyn Mienniel, c’est une voix à part dans le paysage musical contemporain — un artiste qui fait de la flûte un instrument du présent.

Ana Crismán Arpa Flamenca, harpiste espagnole originaire d’Andalousie révélera son nouvel album « Arpaora » qui sortira le 20/02/2026 en CD (France) chez Andalouse Alhambra / InOuïe Distribution. L'album « Arpaora » est le premier disque de harpe flamenco de l’histoire de la musique. Lors de sa sortie en Espagne au format digital le 28/03/2025, il a été largement salué par la critique : « Ana Crismán, l'artiste qui a fait de la harpe un instrument de flamenco. » EL PAÍS « Pionnière et unique au monde dans l'utilisation de la harpe pour le flamenco. » RTVE « Elle va révolutionner le flamenco. » José Mercé (artiste flamenco) Ana Crismán Arpa Flamenca et Luis de la Carrasca (artiste invité) présenteront ce nouvel opus sur la scène du Studio de L’Ermitage à l’occasion d’un concert de lancement exceptionnel le 18/03/2026, dont voici le line-up : Ana Crismán Arpa Flamenca (harpe flamenco), Luis de la Carrasca (chant flamenco), Juan Luis Fernández (percussions) et Céline Daussan « La Rosa Negra » (danse). Sur cet album Ana Crismán Arpa Flamenca s’est entourée de : Jesús Méndez : voix ; Javier Ktumba : percussions et palmas ; Vicente Soto Sordera : voix ; Pedro Navarro : percussions ; M. Cantarote : palmas ; José Valencia : voix ; Juan Diego Valencia Vargas : palmas ; Jorge Pardo : artiste collaboration cuivres ; Rosa Gómez : choeurs, voix ; Rosario Heredia : choeurs, voix ; Tomasa « La Macanita » : voix.   ARPAORA : le premier disque de harpe flamenca de l’histoire de la musique Avec la présentation de l'EP au World Music Festival de Chicago en octobre 2024 et la présentation de l'album complet au Festival de Flamenco de Jerez en 2025, Arpaora nous offre, en plus du premier album de harpe flamenco, une figure innovante et absolument originale dans l'univers du flamenco : la figure de l'Arpaora, c'est-à-dire la personne qui exprime le flamenco à travers une harpe. L'album Arpaora devient la première source et référence dans l'histoire de la musique flamenco où la harpe acquiert un langage, un discours et des codes purement flamencos. Née dans le berceau de l'art flamenco, Jerez de la Frontera, Ana Crismán explore des territoires inconnus et étudie la sonorité infinie de la harpe, l'introduisant dans le domaine du flamenco. À l'instar de précurseurs tels que Paco de Lucía qui ont enrichi l'expression du flamenco, Ana permet à cet instrument d'exprimer tous les styles de ce genre avec la personnalité et l'empreinte de la harpe. Crismán nous invite à partager son premier album Arpaora, un voyage à travers ses propres compositions qui commence par une zambra et se prolonge à travers les styles les plus représentatifs du flamenco, nous apportant innovation et sa propre voix flamenca. En 2025, elle présente son album Arpaora en Espagne et puis entame une tournée internationale, emmenant le son unique de sa harpe flamenco sur les scènes du monde entier. Ana Crismán, qui a collaboré avec des légendes du flamenco et du jazz telles que Miguel Poveda et Jorge Pardo, redéfinit le flamenco et élargit le rôle de la harpe dans la musique moderne.

Le trio auvergnat Muddy Gurdy révèlera "No Border" son 5e album au format LP double vinyle, à l'occasion de sa sortie le 05 décembre 2025 chez Buda Musique / Socadisc. "'No Border', anthologie des trois albums de notre trio, qui a été fondé par Marc Glomeau. A l'heure où partout dans le monde on constate un triste repli sur soi, Muddy Gurdy créé des ponts entre différentes cultures fortes et ancrées, en tissant des liens entre musiciens traditionnels français et américains. Nous remercions Gilles Fruchaux, Buda Musique de nous faire un si beau cadeau avec la sortie de ce double vinyl. Nous dédions cette sortie à Marc Glomeau, à très vite sur scène !" Tia Gouttebel Musiciens : Tia Gouttebel (chants, guitare, compositions, arrangements, choeurs) ; Gilles Chabenat : (vielle à roue) ; Marc Glomeau (percussions, choeurs) ; Fabrice Bony (percussions, choeurs) Artistes invités : Cedric Burnside, Face A ; Pat Thomas, Face A ; Cameron Kimbrough, Face A ; Sharde Thomas, Face B ; Guillaume Vargoz, Face B ; Maxence Latrémolière, Faces B et C ; Ruben Moreno, Face C ; The Broussard Sisters, Face D ; Jeffery Broussard, Face D ; Big Chief Juan Pardo, Face D.   NOTE D’INTENTION Le double vinyle de Muddy Gurdy célèbre 10 ans d’aventures, de voyages et de rencontres, à partir du rêve un peu fou du percussionniste et directeur artistique de l’association Chantilly Negra, Marc Glomeau : construire un pont entre le Blues du Nord Mississippi et les musiques traditionnelles d’Auvergne.Le trio a inventé un écrin sonore unique, porté par l’idée que les musiques populaires du monde entier brûlent du même désir impérieux d’exprimer la beauté, parfois tragique, du quotidien.Après 3 albums qui résonnent comme autant d’étapes d’une quête initiatique, Muddy Gurdy poursuit aujourd’hui sa route avec, plus que jamais, la volonté du partage. « No Border » résume à lui seul cette idée de tisser des liens entre les cultures, la terre et les hommes, les continents. C’est un voyage de France jusque dans le Mississippi, puis un retour à la maison, avec « Homecoming » enregistré en Auvergne. Le dernier album « Seven », capté en Louisiane, est dédié à Marc Glomeau, disparu quelques mois plus tôt. Sa compagne, chanteuse et guitariste du groupe, Tia Gouttebel décide de poursuivre ce projet si singulier toujours avec Gilles Chabenat à la vielle à roue et maintenant avec Fabrice Bony aux percussions. Chaque enregistrement se passe sur le terrain, hors des studios mais dans des lieux reliés à la culture locale, à l’histoire, à la ruralité, telles des cartes postales sonores, le groupe emmène l’auditeur sur ses mélanges créatifs avec leurs invités (Cedric Burnside, Sharde Thomas dans le Mississippi, les français Louis Jacques, Maxence Latrémolière, chanteur de briolage, en Auvergne puis en Louisiane, les chanteuses de Jurés les Broussard sisters, le chef indien Juan Pardo, le jeune prodige du zydeco Ruben Moreno ou encore 40 enfants d’une école en immersion...). C’est grâce au fabuleux label Buda Musique que ce double Lp anthologie voit le jour. Le trio sera en tournée pour présenter ce florilèges de titres, des reprises réarrangées (de Sam Cooke, Billie Holliday, JB Lenoir) et des compositions originales, avec l’énergie et l’inventivité qui font de chaque concert un moment unique.  

Le groupe TRAM (précédemment connu sous Tram des Balkans) fête ses 25 ans de carrière, et révèlera "Alligator" son septième album, à l'occasion de sa sortie le 27 février 2026 (digital, CD et vinyle) chez Les Entêtés / L'Autre Distribution. Cet opus sera présenté le jeudi 19 mars 2026 sur la scène du Studio de L'Ermitage (Paris, 20e) lors d'un concert de lancement exceptionnel en co-plateau avec  Joulik, et le vendredi 20 mars 2026 au Toï Toï Le Zinc à Villeurbanne (69).   Le nouveau single  "L'encendido" sera disponible sur toutes les plateformes à compter de fin janvier 2026. D'ici là, (re)découvrez leurs précédents singles, déjà publiées sur toutes les plateformes, dont le clip du titre Alligator.   TRAM, c'est une dizaine de créations originales sur scène, 7 albums et plus de 1200 concerts. Les 5 musiciens-chanteurs continuent à creuser leur sillon singulier fait d'une appropriation décomplexée de diverses traditions musicales : Europe Centrale, musique klezmer, mais aussi folk nordique ou polyrythmies réunionnaises. L'unité est garantie par l'immense complicité qui soude les membres du groupe, leur curiosité joyeuse. L'énergie pop'n'trad des débuts est intacte, faisant parfois place à une touche rock bienvenue.   TRAM est composé de : Vincent Gaffet :  chant, accordéon, guimbarde, harmonica Vincent Westphal : chant, clarinette, clarinette basse Diego Meymarian : chant, violon, cistre, banjo, mandoline Mathieu Cervera : batterie, percussions, chant Nicolas Canavaggia : contrebasse, basse électrique, chant   HISTOIRE(S) D'UN ALBUM : la genèse Alligator est l'histoire d'un renouveau et d'une lente maturation pour le groupe. Le précédent projet, En cavale (créé en 2022, toujours en tournée), a vu TRAM convier la chanteuse Mélissa Zantman sur un répertoire intime et acoustique, assez centré sur des airs traditionnels et polyphonies d'Europe centrale. Pour la création suivante le groupe a décidé de jouer le contraste et de travailler sur la durée : deux ans à tester de nouvelles pistes, se laisser porter une nouvelle fois par les influences et propositions de chacun des musiciens. Il s'agissait aussi de passer le cap des 25 ans du groupe sans tomber dans la nostalgie ou l'auto-célébration, mais sans renier son parcours. Il en sort un album marqué par la variété des timbres et des voix, mené tambour battant par un groupe toujours partant pour faire danser les frontières. Un style pop'n trad assumé plus que jamais, une musique ludique et chaleureuse, toujours abordable mais ne cédant jamais à la facilité.

Victoria Alexanyan révèlera "Vishap" son nouvel album à l'occasion de sa sortie le 06 février 2026 (digital, CD et vinyle) chez Musiques en balade / InOuïe Distribution. Cet opus sera présenté : le mercredi 18 février 2026 sur la scène du 360 (Paris, 18e) lors d'un concert de lancement exceptionnel et en avant-première lyonnaise le vendredi 30 janvier 2026 à L'Opéra Underground (invitée exceptionnelle : Leïla Martial). Le single  "Désordre nouveau" est déjà disponible sur toutes les plateformes.  Lorsque Victoria Alexanyan a décidé de quitter son Arménie natale pour s’installer en France, elle n’imaginait pas que ce serait un révélateur si puissant de la culture ancestrale qui l’habitait. À travers sa musique, elle n’évoque pas seulement l’histoire tourmentée de l’Arménie, transformant la colère en poésie ; mais également son rapport sensible au monde, épris de liberté et d’universalité. Ses compositions, à la fois intérieures et politiques, sont marquées d’une révolte profonde contre l’injustice qu’elle déclame avec une délicatesse particulière.  Dans son premier album en 5tet : « Vishap » (dragon), elle réveille cette créature mythique et ambigüe qui hante l’imaginaire arménien. Enfoui sous les rochers et les lacs, il est porteur d’une mémoire ancienne et immuable. Vishap devient alors un chant, une incantation portée par les vents des montagnes arméniennes. La musique serpente entre mystère et éclats, imprégnée d’une énergie féminine et rebelle. Métriques complexes, improvisations et influences modales s’entrelacent, donnant naissance à un univers sonore indomptable, à l’image du dragon. Line-up : Victoria Alexanyan : chant, composition Amin Al Aiedy : oud, nay, co-composition Vincent Forestier : piano, co-composition Yann Phayphet : contrebasse Matheo Ciesla : batterie, choeur   Biographie Victoria Alexanyan Née en 1995 en Arménie, diplômée du Conservatoire d'État d’Erevan, elle a été initiée au jazz par le pianiste Vahagn Hayrapetyan, mentor de Tigran Hamasyan. Passionnée de la langue et de la musique française, elle s’installe en 2018 en France pour poursuivre ses études au Conservatoire de Lyon. Là, elle s'immerge dans divers projets artistiques, allant du jazz à la chanson française, sans oublier la musique traditionnelle arménienne. Victoria crée son propre projet en 2020. Ce projet est accueilli chaleureusement dans plusieurs festivals, menant à une première tournée en Arménie en 2022. En 2023, Victoria remporte le 2e prix du concours Crest Jazz Vocal. Début 2025 elle obtient la bourse de compagnonnage de l’Adami et Jazz Sous Les Pommiers, qui lui permet d’être accompagnée par la vocaliste Leïla Martial. Cette rencontre ouvre une nouvelle page dans sa vie artistique. En septembre 2025, Victoria est lauréate de Women in Jazz sélectionnée par Anne Paceo, Les Gémeaux (Scène Nationale) & Jazz Sous Les Pommiers. Parallèlement à la musique, Victoria nourrit sa passion pour le théâtre. Elle se forme à l’École de la Respiration Sandra-Romond à Paris. Aujourd'hui, elle collabore à « T.A.M.A. Paris » et au Cours Myriade à Lyon, où elle écrit et met en scène sa première pièce de théâtre, « Le monde s’est bouché les oreilles ».