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Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN. Azmari dévoilera son nouvel album "Samā'ī", à l'occasion de sa sortie le 5 février 2021 chez Sdban Ultra / L’Autre Distribution. « Fat Ari » le premier titre extrait de ce nouvel opus est sorti le 6 novembre 2020 : « Fat Ari signifie "Le créateur" en langue amharique, cette chanson évolue à partir d'un thème envoûtant où flûte et kaval se rejoignent dans une atmosphère unique pour finir par une séquence dub tout droit sortie de l’espace... » Azmari. « Azalaï » le second extrait sort quant à lui le 4 décembre 2020, et voici ce que le groupe en dit : « Lentement, la voilà qui arrive. Sinueuse. Elle frotte son ventre contre la terre, slalome entre les cailloux, trace son destin dans la mer d’or. Azalai. La musique traîne, se répète, se complète et s’envole comme le vent maculé de sable et d’épices. Elle prend sa respiration dans les dunes du désert et avance, avance. Elle avance sans répit, elle se gorge d’images, de saveurs, d’extase et s’intensifie au fur et à mesure du tempo. Elle saccade cette musique. Elle se noie, expire et se réveille sous le soleil d’orient. Les corps tanguent, vrillent, subissent la morsure du soleil et se perdent dans l’ivresse. D’aucun n’en voit le bout. C’est un venin hypnotique. Une transe interminable. Toujours vers l’avant. Toujours vers l’horizon lointain. On avance. Azalai comme seul guide. » Le mot « Azalai » désigne la caravane de commerce touareg qui traversait le désert du Sahara deux fois par an sur près de 1000 kilomètres pour le transport du sel entre Taoudenni et Tombouctou. Le groupe introduit notamment dans ce morceau le saz Baðlama et le kaval, deux instruments qu’ils ont ramené lors d’une tournée à Istanbul et ont ensuite intégré à leur univers. Ces instruments entrent en communion pour nous emmener, grâce à une section rythmique frénétique vers une transe enivrante... ». Créé à Bruxelles en 2015, Azmari est une odyssée musicale qui fusionne avec expertise l'éthiogroove, le dub, le psychfunk et les sons orientaux. S'inspirant d'artistes tels que Okay Temiz, Mulatu Astatke, Cymande, Fela Kuti et The Heliocentrics, un Azmari, littéralement "celui qui loue" en amharique, est un chanteur-musicien éthiopien, comparable au barde européen ou au griot ouest-africain souvent accompagné d'un masenqo - violon à une corde ou krar - lyre, deux instruments traditionnels éthiopiens. Après la sortie de leur premier EP "Ekera" l'année dernière, une série de concerts à travers l'Europe a permis de développer le son Azmari dont dix jours de concert à Istanbul qui ont « ouvert les oreilles » du groupe aux sons et aux rythmes turcs des années 60. Désireux de retourner en studio pour commencer à travailler sur leur premier album, ils ont étudié minutieusement les gammes turques et éthiopiennes, tout en apprenant par la même occasion de nouveaux instruments, notamment le berimbau, le ney et bağlama. Le son d’Azmari s'est transformé en un voyage rebel, implacable et hypnotique. Les neuf titres qui composent le premier album "Samā'ī", dont la sortie est prévue le 5 février chez Sdban UItra / L’Autre Distribution, sont une expérience profondément hypnotique où des rythmes envoûtants et des improvisations sinueuses projettent l'auditeur dans un état de conscience supérieur. Du saxophone magique du début de l'album "Zegiyitwali", au modèle dubby de "Cosmic Masadani" et aux joyeuses trompettes de "Kugler", Azmari mélange avec précision et sans effort des mélodies africaines et orientales, offrant une nouvelle vision du son ethiojazz. En outre, les sons lourds et rythmés de "Tariq Al Sahara" et du mystique et cosmologique "Azalai" poursuivent notre voyage sacré avec des saxophones enragés et des percussions qui décoiffent. Tandis que le titre "Kadiköy", libre d'esprit et planant, d'une durée de neuf minutes, donne un aspect trance à des motifs où le jazz psychédélique rencontre l'afro-funk.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN.Aribo Productions présente "Medicine Man Orchestra", à l'occasion de sa sortie digitale chez Believe et physique chez L’Autre Distribution le 5 février 2021 . L’album sera présenté sur la scène du Studio de L’Ermitage, à l’occasion d’un concert de lancement en Live Stream le vendredi 22 janvier 2021 à 21h00. Le projet Medicine Man Orchestra est né de la rencontre entre le griot béninois Seidou Barassounon et le producteur français Mathieu Insa. C’est une véritable épopée sensorielle qui réunit sur scène les percussions de Mélissa Hié (Burkina Faso), les machines électroniques d'Alissa Sylla (Sénégal) et les incantations du griot. Le guitariste britannique Justin Adams (Tinariwen, Robert Plant) et le percussionniste nigérian Wura Samba (Keziah Jone, Nneka) ont également participé aux enregistrements de la musique du spectacle composée par Alissa Sylla. La scénographie est confiée à Nicolas Ticot (XLR Project) pour la création de fresques lumineuses en trois dimensions synchronisées à la musique. Enfin, France Médias Monde, principal partenaire du projet, apporte avec RFI Labo, son expertise concernant le mixage en son binaural ainsi que la conception de vidéos en réalité virtuelle. La technologie binaurale permet notamment un rendu sonore au plus proche de l’écoute naturelle. Nous vous annoncerons prochainement la date la première parisienne, d'ici là voici les dates de la tournée 2020 / 2021 : - 26 novembre : Alliance Française d’Accra (Ghana) - 28 novembre : Institut Français de Lomé (Togo) + Atelier numérique le 30 novembre - 5 décembre : Institut Français de Cotonou (Bénin) + Masterclass au lycée Montaigne le 4 décembre - 12-14 janvier 2021 : résidence au Forum de Vauréal avec sortie de résidence le janvier 14 soir. « Medicine Man Orchestra » est une expérience sensorielle dans l’univers spirituel des griots d’Afrique de l’Ouest. Il explore le pouvoir émotionnel et thérapeutique de la musique et des mots au delà des frontières et à travers l’histoire. Les griots sont nés sous l’empire du Ghana (IVe-XIIIe siècle), puis ont traversé l’histoire de l’empire du Mali (XIIIe-XIVe siècle) puis de l’empire Songhaï (XVIe et XVe siècle) et sont toujours présents de nos jours. Découvrir leur musique est un défi lancé au temps : c’est découvrir une musique contemporaine de notre Moyen Age européen mais qui a su rester vivante, populaire, évolutive et « classique » au sens noble du terme ! Vous l’entendez aujourd’hui dans les cours des chefs de village comme à la radio ou à la télévision. Cette musique millénaire, écoutée et respectée dans toute l’Afrique de l’Ouest, joue un rôle essentiel : la transmission de la mémoire par la parole, hors des institutions religieuses. La musicothérapie est utilisée pour améliorer le bien- être général et particulièrement bénéfique dans l’accompagnement de personnes rencontrant des difficultés comportementales, relationnelles ou de communication. De tout temps, l’effet thérapeutique de la musique a été reconnu. Les Anciens et les cultures traditionnelles la considéraient comme une science sacrée. Les griots d’Afrique de l’Ouest n’ont jamais douté de l’effet thérapeutique de leur musique. Ainsi, en fonction du contexte, ils vont tantôt jouer une musique pour consoler ou réconforter lors des funérailles d’un roi par exemple, tantôt pour éloigner des énergies négatives ou encore pour entrer dans une transe méditative ou joyeuse. Ainsi, Medicine Man Orchestra est une « troupe thérapeutique itinérante » qui utilise les codes de la musicothérapie et offre aux spectateurs du monde entier une expérience auditive et visuelle unique utilisant des technologies innovantes de diffusion des sons et des images. C’est un projet ambitieux qui se donne comme mission l’apaisement et le mieux-être de l’humanité.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR.Clément Oury dévoilera son nouvel album "La tête dans le mur", à l'occasion de sa sortie le 13 novembre 2020 chez Vlad / Inouïe Distribution (digital / vinyle). « Quelques sons du quotidien enregistrés au fil des saisons. Des grains de maïs, des fleurs de houblon, des noix, des pétales de roses et je commence avec cette valse d’Automne. Puis l’envie de partager ces ambiances avec d’autres musiciens à qui je propose ces instrumentations minimalistes, répétitives qui commencent à prendre forme. » Clément Oury. Il ne lui aura pas fallu beaucoup de temps pour accorder son violon : pas de pause ni de soupir pour Clément Oury qui commence son premier couplet dans des conservatoires (ENM de Beauvais puis Conservatoire du Centre de Paris). La ballade se poursuit en crescendo avec la rencontre du tuba dans lequel il s’épanouit deux ans au Conservatoire National de Région de Boulogne-Billancourt dans la classe d’Arnaud Boukhitine, mais aussi en analyse, harmonie, musique de chambre, prise de son et orchestre. Après un an d’auditeur libre au CNSM de Lyon dans la classe de Mell Cubertson, il entre dans la prestigieuse Universitat der Kunste de Berlin dans la classe de Dietrich Unkrodt où il obtient un premier prix. A sa portée, une large gamme de genres musicaux dans lequel il apporte sa touche notamment dans l'Orchestre Philharmonique du département de l’Oise, le projet Shantel & Bucovina Club avec qui il part en tournée européenne pendant 2 ans ou encore dans l'enregistrement de bandes originales dont celle du dernier film de Tony Gatlif. Ce parcours aurait pu se terminer en fanfare, avec Ziveli Orkestar avec qui il joue pendant 10 ans, mais non, le tempo est lancé et Clément Oury se met à accompagner différentes formations : le quatuor Aalma Dili, le groupe Soviet Suprem et depuis peu le projet plus électronique : Mezerg Orkestar. Ce multi-instrumentiste rythme aussi depuis quelques années, tant en enregistrement qu'en concert, les mélodies des jolies voix de The Do, Yael Naïm et depuis peu, Emily Loizeau. La partition était déjà toute écrite et cela va durer jusqu'à ce que l'idée de donner naissance à sa propre musique ne survienne. Clément Oury, après une longue période de réflexion finit par faire appel à sa longue expérience artistique ainsi qu'à son inspiration pour faire émerger un premier album solo reflétant les émotions de la vie.  

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN.Belkacem Drif dévoilera son nouvel album "Siempre lo mismo", à l'occasion de sa sortie le 5 février 2021 chez Chez Oime Production / Inouïe Distribution. Ce nouvel opus sera présenté le mercredi 15 septembre 2021 sur la scène du Studio de L'Ermitage. Né en Banlieue parisienne, Belkacem Drif est le benjamin d’une fratrie de 12 enfants. Même si la musique a toujours été présente au sein de la famille, rien ne le prédestinait à devenir musicien professionnel. C’est avec ses voisins, une famille de musiciens d’origine gitane, qu’il s’initie aux percussions, découvre le flamenco et se passionne pour cette musique. Comme il est turbulent, son instituteur lui conseille d’intégrer une école de musique où il travaille les percussions classiques. A 16 ans il commence à jouer dans les bals le week-end et décide de se consacrer uniquement à la musique. Il s’inscrit au conservatoire du 9e arrondissement de Paris, puis sous la baguette de Guy Hayat, il intègre le CIM, où il étudie l’harmonie Jazz avec Philippe Baudoin. Il sort diplômé de l’école de batterie Emmanuel Bourseault et obtient une licence de musicologie à Paris 8. Belkacem Drif fait ses premiers pas en tant que musicien professionnel en accompagnant de nombreux artistes et groupes. Rock ou Bossa, Soul ou Jazz, Variété dans le sens noble du terme, il goûte toutes les saveurs, les nuances, les résonances. Il reste un amoureux du rythme, des rythmes, d’où qu’ils viennent. De la musique de sa Kabylie originelle à ses voyages en Espagne, au Maroc ou encore aux Etats- Unis, de ses rencontres avec des musiciens de tous horizons (Antonio Lopez, Brahim Izri, Julio Laks, Alain Jean-Marie, Saïd Mesnaoui et Travis Bürki pour ne citer qu’eux), Belkacem a gardé le goût du partage, d’une musique généreuse, ouverte aux expériences et aux mélanges. En un mot : l’ouverture aux autres. SIEMPRE LO MISMO son 2e album ouvre le champ au chant et à de nouvelles rencontres. Toutes ses compositions racontent ce goût profond pour la découverte et le métissage.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN.Antonio Placer Sextet (nominé aux Victoires de la Musique 2022, catégorie meilleur artiste masculin) invite Antonio Campos (nominé aux Latin Grammy 2020) et dévoileront leur nouvel album "Trovaores", à l'occasion de sa sortie le 18 décembre 2020 en digital et le 5 février 2021 en physique chez Musiques créatives du Sud - Alma Musiques / L'Autre Distribution. Ce nouvel opus sera présenté le mardi 23 novembre 2021 sur la scène du 360 Paris Music Factory, avec la présence exceptionnelle du danseur Flamenco Andrés Marín. Trovaores Trovaores est l’histoire d’une rencontre, celle du flamenco, du jazz et de la chanson au cœur des montagnes enneigées de Grenoble et de Grenade. Sept artistes prennent un immense plaisir à se retrouver ensemble sur scène pour créer une histoire musicale faite de normes et de transgressions et la partager avec le public. Leurs arrangements nous font passer du flamenco le plus essentiel aux sonorités du jazz ou de la trova poétique hispanique ou galicienne apportant au spectacle une respiration et un rythme où chaque pulsion est un tribut à une profonde énergie syncrétique. Trovaores prend la forme d’un spectacle à deux voix, puissantes, contrastées et complémentaires, soutenues par des musiciens d’horizons divers, une sorte de pont entre les Suds, entre les ici et les ailleurs. Il croise ainsi deux univers artistiques et poétiques portés par des voix profondes, rugueuses lorsque le duende oblige, tout en retenue lorsque l’émotion s’impose. Portés aussi par des textes d’où se dégagent une puissance rageuse et un engagement de tous les instants. Trovaores, c’est le duende en action et en interactions, car si le duende est l’âme des « sons noirs», il est aussi l’esprit des rencontres. Antonio Placer Chanteur, musicien, poète, compositeur, arrangeur, Galicien exilé en France, il fabrique une musique du monde et des chansons façonnées par les différents vents qui l’ont porté tout au long de son parcours. De quel style, de quelle nature est sa musique ? Difficilement classable... Il ne fait ni du flamenco, ni du jazz, ni du fado, ni du tango, ni de la musique classique. Son art est avant tout la scène qu’il investit de sa présence généreuse et engagée. Il a la sincérité d’un Jacques Brel, la colère d’un Léo Ferré et la passion révolutionnaire d’un Jean Ferrat. Son chant de tragédien frémissant embarque le publique des scènes de France et d’ailleurs depuis vingt-quatre ans. Ses mots et sa présence bouleversent et prennent aux tripes.... Il a composé plus de 20 créations originales sur les scènes nationales et internationales de plus de 30 pays. Il a offert ainsi plus de 300 chansons au public de tous les continents. Il a publié 13 disques. Son œuvre poétique est publiée dans plusieurs pays et écrite en quatre langues différentes. Il a partagé son art et composé ses spectacles avec des grands artistes comme : Fernando Suarez Paz (violoniste d’Astor Piazolla), Renaud García-Fons, Steve Swallow, Paulo Bellinati, Carlo Rizzo, Elena Ledda, Angélique Ionatos, Amancio Prada, Rocío Marquez, Gabriele Mirabassi, Toninho Ferragutti, Jean-Marie Machado, Stracho Temelkovski, Jean-François Baez, Jorge « Negrito » Trasante, Cristina Azuma, Mauro Palmas, etc.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN.Ozferti dévoilera son nouvel album "Solarius Gamma", à l'occasion de sa sortie le 13 novembre 2020 chez Humpty Dumpty Records / L'Autre Distribution. Suivez Ozferti, le beatmaker masqué et son voyage vers les étoiles, dans un album inspiré par la musique est-africaine et en partie produit et enregistré à Addis Abeba, Ethiopie.   Ozferti Florian Doucet est un vétéran de la musique. Avant de se consacrer entièrement à Ozferti, il a tourné dans le monde entier et en studio avec le groupe afro-colombien LA CHIVA GANTIVA (Crammed Discs) et le groupe afro-portugais TERRAKOTA (Fazuma). Hypnotisé par la musique moderne éthiopienne, il sort en 2016 l’EP ADDIS ABOUMBAP, 11 titres d'EthioJazz et de paysages électroniques. Le disque a été salué par la critique et a été largement diffusé par des DJ et radios underground (DJ Mellow / LOW UP, BEAT CHRONIC, Radio Nova Paris) mais aussi sur de grandes stations (KCRW Los Angeles, Worldwide FM, RINSE fm France). C’est le début du projet Ozferti, une aventure qui mélange les compétences musicales et visuelles de Flo. La musique contient des éléments de musique Electronica, Jazz, Hip-hop et Bass, tout en utilisant la couleur et la richesse des instruments et rythmes est-africains. C'est une odyssée spatiale, dépeignant l'histoire d'une planète violette et d'un musicien masqué, un endroit étrange qui nous fait réfléchir sur notre propre monde. Solarius Gamma  Bienvenue dans le premier chapitre de la saga OZFERTI. Entrez dans une galaxie inconnue, où se chevauchent gravités multidimensionnelles et espace temps hasardeux ; où de nouveaux dieux remplacent les vieilles idoles et les écosystèmes sont écrasés par l'économie minière spatiale. Suivez OZFERTI, le beatmaker masqué et son voyage vers les étoiles, dans un album inspiré par la musique est-africaine et en partie produit et enregistré à Addis Abeba, Ethiopie. L'album de 11 titres vous emmène à travers paysages désertiques et atmosphères de science-fiction. Motifs rythmiques et percussions s’entrechoquent avec synthétiseurs électroniques et guitare électrique.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR.David Krakauer & KathleenTagg dévoileront leur nouvel album "Breath & Hammer", à l'occasion de sa sortie le 21 août 2020 chez Table Pounding Records / L'Autre Distribution. Le duo est composé de : - David Krakauer : clarinette  - Kathleen Tagg : piano et "piano orchestral"   Le clarinettiste américain David Krakauer, nominé aux Grammy, figure incontournable de la musique klezmer du XXIe siècle, et par ailleurs soliste de Musique Classique, et Kathleen Tagg, compositrice, arrangeuse, pianiste et productrice novatrice, sortent Breath & Hammer sur leur propre label Table Pounding Records, avec une tournée européenne en vue pour promouvoir l'album dont la sortie est prévue en France le 21/08/2020 chez L’Autre Distribution. Cet album, véritable performance électro-acoustique révélant les approches innovantes et idiosyncrasiques du duo sur leurs instruments respectifs, présente à la fois des compositions originales et des interprétations très personnelles de la musique de certains de leurs amis les plus proches, parmi lesquels John Zorn et Kinan Azmeh, dans une texture qui intègre de manière transparente des boucles, des samples et des performances en direct. Breath & Hammer est à la confluence de plusieurs courants musicaux, résultant des solides références des deux artistes en tant que musiciens de concert classiques, mais aussi des années de Krakauer en tant qu'innovateur klezmer, compositeur, leader de groupe et expérimentateur d'avant-garde, ainsi que de la carrière à multiples facettes de Tagg, qui a créé et joué pour la scène et le théâtre, allié à ses compétences en tant qu’arrangeur et productrice Le Wall Street Journal déclare que "David Krakauer est un clarinettiste tellement expressif qui passe si facilement d'un genre à l'autre que l'on pourrait presque penser qu'il n'y a pas de différence appréciable entre le jazz, le klezmer et la musique classique formelle", mais la description convient aux deux partenaires et laisse entrevoir le fil conducteur de chaque projet qu'ils entreprennent : favoriser les liens humains par une musique qui transcende toutes les frontières stylistiques et culturelles. Comme pour tous ses précédents albums, Tagg a produit Breath & Hammer, que Krakauer décrit comme "une tapisserie médiévale de la taille d'un appartement, composée d'échantillons de la taille des ongles". Parmi les compositeurs qui ont contribué au projet, on trouve le saxophoniste John Zorn, le clarinettiste syrien Kinan Azmeh, le percussionniste cubain Roberto Rodriguez, l'accordéoniste Rob Curto et l'accordéoniste et spécialiste du klezmer Emil Kroitor, en plus de Krakauer et Tagg eux-mêmes. Lors des performances en direct, les techniques de jeu étendues, les boucles et les samples de Breath & Hammer sont galvanisés par un flux vidéo immersif à plusieurs caméras créé par l'artiste vidéo Jesse Gilbert, basé à Los Angeles, permettant au public de voir de près et en temps réel les styles de jeu peu orthodoxes du duo. Une conception vidéo considérablement élargie, projetée sur un hexagone translucide de grilles entourant les artistes, a été créée à la Pierre Boulez Saal à Berlin et a été présentée en avant-première avec des intermèdes sonores spatialisés nouvellement composés au printemps dernier sous le nom de Breath & Hammer II : Les liens qui nous unissent.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR.Niqolah Seeva dévoilera son nouvel album "3NE", à l'occasion de sa sortie le 23 octobre 2020 chez Vlad / Absilone / Socadisc / Believe.Ce nouvel opus sera présenté le mardi 20 octobre 2020 à 20h30 sur la scène du Studio de l'Ermitage. Instrument hybride, langue hybride #Anglarabe, thématique futuriste, harmonie microtonale, instruments orientaux et traitements electro- acoustiques, "3NE" (prononcer “One”) symbolise l'unité dans la multitude.   Musicien explorateur aux inspirations multiples, Niqolah Seeva est constamment en quête d'expériences sonores et de nouvelles vibrations. Avec son instrument inventé en bandoulière (croisement entre un oud et une guitare), il s'est progressivement affranchi de toute forme de contrainte artistique, dans un inexorable exode qui l'a mené du rock'n'roll de ses débuts jusqu'à des territoires aussi divers que le Maghreb, le Moyen-Orient ou encore l'Inde. Toujours en quête de normes à recréer, l'auteur-compositeur est allé jusqu'à inventer une langue, là aussi hybride entre Orient et Occident (mélange d'anglais et d'arabe), pour décrire un univers fantasmé, comme un idéal de confraternité universelle, mais aussi comme un refuge, à bonne distance des pièges qui menacent habituellement le parcours d'un artiste indépendant dans une exploration des musiques du monde. Niqolah est un musicien que la soif d'aventures sonores n'a pas noyé dans des approximations ou des compromissions. En plaçant durablement sa création dans le champ du rêve, il donne à voir un univers singulier et intime, fait à la fois de son histoire personnelle et d'influences voyageuses. Ces influences, il les intègre dans une démarche systématique originale, plus proche de celle d'un peintre que de celle d'un photographe – observant la diversité des hommes sans jamais les traiter comme des objets de curiosité, mais bien comme des pairs.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN.Amando Risueño présentera son nouvel album "El Canto del viento" le jeudi 10 décembre 2020 à 20h30 en Live Streaming sur la scène du Studio de l'Ermitage, à l'occasion de sa sortie le 16 octobre 2020 en digital et le 27 novembre 2020 en physique chez Nuevo Mundo / In Ouïe Distribution. Guitariste-chanteur, Amando Risueño interprète les musiques d'Argentine avec poésie et profondeur. Il se fait l'écho d'histoires de son pays, d'histoires universelles, tout en ayant à cœur de transmettre le mystère et l'émotion de la musique pour venir toucher la fibre intime de chacun. Avec « El canto del viento », Amando Risueño nous emmène dans l'univers d'Atahualpa Yupanqui pour mettre à l'honneur le compositeur et poète mais aussi l'interprète. Atahualpa Yupanqui a transcendé les musiques traditionnelles d'Argentine pour léguer une œuvre musicale et philosophique intemporelle. Amando l'aborde dans un jeu délicat, à travers une succession de mélodies donnant la mesure de ces thèmes qui racontent les histoires des femmes et des hommes de la terre. Le vent, la lune, le soleil, les montagnes, les vallées, les plaines, les animaux en sont les leitmotivs. Entre deux morceaux, Amando prend la parole pour évoquer la vie de l’artiste et citer de magnifiques textes tirés du livre écrit par Atahualpa en 1965 : « El canto del viento ».

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN. Gabriel Bismut & Maurizio Minardi présenteront en quartet leur nouvel album "Le Chat Brel" le mardi 15 décembre 2020 à 19 heures sur la scène du Studio de l'Ermitage, à l'occasion de sa sortie le 13 novembre 2020 chez AMA Recording / In Ouïe Distribution. Toujours avides de contrastes, le violoniste/altiste français Gabriel Bismut et l'accordéoniste/pianiste italien Maurizio Minardi vont fouiller dans les musiques populaires de France, d'Italie, dans le tango argentin, les valses latines et les rhapsodies baroques, et en font un alliage très personnel. Ils présenteront au Studio de l'Ermitage leur premier album commun, "Le Chat Brel" au sein de leur quartette de jazz acoustique. "Le Chat Brel" c'est une référence à Chabrol et au cinéma de la nouvelle vague, doublés de l'expressivité de Jacques Brel et de l'élégance et l'insouciance d'un félin. La passion pour le cinéma est en effet omniprésente dans leurs compositions originales, qui oscillent entre un humour léger et une vive intensité, tout en restant, à l'image d'un film de la nouvelle vague, sincères et sans artifices. La rencontre entre Gabriel Bismut et Maurizio Minardi s'est faite sur la scène jazz parisienne fin 2016. Leurs origines italiennes et leur goût pour les belles mélodies des musiques de films leur ont rapidement donné envie de monter ensemble un projet autour de leurs compositions et arrangements originaux rendant hommage à Nino Rota, Ennio Morricone et Jacques Brel. Ils ont depuis effectué plus de 50 concerts en France,en Italie et en Angleterre. Direction artistique : Marc Berthoumieux Produit par Les Amis de la Musique Acoustique (AMA) Mixage et édition : Marc Berthoumieux Mastering : Michel Geiss Distribué par Inouïe Distribution Enregistré aux Studios de Meudon Photographies : Stefano Candito Graphisme : Tamara Hoha

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN.Le duo Sambuca présentera son nouvel album "Luz" le mercredi 21 octobre 2020 à 20h30 sur la scène du Studio de l'Ermitage, à l'occasion de sa sortie le 1er mai 2020 en digital et le 25 septembre 2020 en physique chez Prodastar / In Ouïe Distribution. Le duo Sambuca est composé de : - Irene Amata : chant - Roberto Stimoli : guitare 7 cordes Sambuca est un groupe de musique brésilienne très actif sur la scène jazz et world parisienne. Le groupe se compose de Roberto Stimoli à la guitare 7 cordes et Irene Amata à la voix. Une voix et une guitare sept cordes pour réinventer les rythmes de la samba : un objectif ambitieux, animé par la passion sans limite que Roberto et Irene partagent pour une musique qui vient de loin, mais qu’ils ressentent au plus profond d’eux. Ils sont des interprètes assumés, ce qui implique des choix forts, autant dans la sélection du répertoire, le réarrangement (voire la réharmonisation) de ces derniers et dans leur interprétation. La langue portugaise est indissociable des mélodies : ne pas proposer les versions anglaises est un choix assumé, mettant en avant la place prépondérante des paroles originales dans le rythme, et l’osmose qu’elle crée avec la musique. Ainsi comprendre n’est pas nécessaire, ce sont la douceur et la force du son qui retiennent, qui portent, qui éveillent. Une voix et une guitare, et pourtant rien ne manque : les basses portées par la guitare à sept cordes et le rythme animé par la voix, les improvisations qui s’enchainent dans une atmosphère de jeu et d’écoute réciproque. Une voix et une guitare qui remplissent l’espace, en capturant l’attention du spectateur. Une nouvelle façon d’écouter la musique brésilienne, c’est la passion et le défi du groupe Sambuca.

Disculpa, pero esta entrada está disponible sólo en FR y EN.Ariana Vafadari présentera « Anahita » le dimanche 8 mars 2020 à 17h sur la scène du Théâtre Claude Lévi-Strauss au Musée du quai Branly. Anahita, est une pièce musicale et onirique, composée et interprétée par Ariana Vafadari sur un livret écrit en collaboration avec Leili Anvar. Pour cette première, nous sommes heureux d’annoncer la présence de Fanny Ardant qui sera la narratrice exceptionnelle et l’incarnation d’Anahita, femme et déesse. Une distribution de rêve pour les débuts de cette oeuvre qui plus est en ce 8 mars, journée des droits des femmes ! Ariana, mezzo-soprano sera également accompagnée par Sandrine Marchetti (piano), Leila Soldevilla (Contrebasse) et Driss El Maloumi (Ud). L’enregistrement d’Anahita paraitra en CD - Sortie digitale le 6/03, sortie physique le 19/06 (label Quart de Lune / Distribution Idol et UVM) Jeudi 5 mars : nous vous invitons à une rencontre avec l’artiste lors de deux sessions showcases de 30mn réservées aux professionnels : présentation de l’album, rencontre, interviews... Lieu : 40, rue du Faubourg Poissonnière, Paris 10e. 2 sessions : 13h et 17h. Anahita est une création musicale, née de la complicité artistique et intellectuelle de deux femmes franco-iraniennes Ariana Vafadari qui a composé la musique et Leili Anvar qui en a imaginé l’histoire et écrit les textes. L’HISTOIRE Une jeune femme rêve du temps où son village était vert, elle se réveille face aux arbres qui meurent et sent son ventre vide. Elle a traversé les déserts et les terres en feu, désespérée elle prie la déesse dont elle porte le nom : Anahita. Cette divinité iranienne des eaux, de la fécondité, de la sagesse, est celle qui accroît les cours d’eau, les peuples et les vivants. Elle est aussi la guérisseuse et celle qui initie à la sagesse. Mais son culte fut oublié et son visage effacé. Aussi les eaux se sont-elles retirées chaque jour davantage du lit des rivières et des sources souterraines, transformant le monde fertile et verdoyant en un désert brûlant. Après un échange mystique avec la déesse, la jeune Anahita part en quête de l’eau d’immortalité, et trouve l’Amour. Imprégnée dans son enfance par la poésie et la philosophie zoroastrienne transmise par son père, Ariana Vafadari, avait à cœur de faire ressurgir les écrits millénaires de Zarathoustra, réunis dans «L’ Avesta», textes empreints de sagesse et de spiritualité, prônant la lumière et la bonté inhérente à l’homme. A travers ces prières adressées à Anahita, la volonté d’Ariana et Leili est de retrouver la place du féminin dans le monde. Entourée de musiciens aux origines culturelles et musicales diverses, certains formés à la musique traditionnelle iranienne, marocaine, d’autres au jazz, à la musique classique occidentale, Ariana Vafadari passe librement d’un univers à l’autre. Les textes sont en persans, en français, en langue Avestique, la langue ancienne des zoroastriens.